Antes de Paul Poiret (1879-1944), existía la alta costura:ropa cuya razón de ser era la belleza, así como la ostentación de riqueza y gusto. Paul Poiret aportó un nuevo elemento de moda a la alta costura; gracias a él la moda puede ser un espejo de los tiempos, una forma de arte y un gran entretenimiento. Poiret, en opinión de muchos, fue el primer genio de la moda.
Nacido en una familia parisina sólidamente burguesa (su padre, Auguste Poiret, era un respetable comerciante de telas), Poiret asistió a un lycée católico. , terminando como era típico en su adolescencia. Después de la escuela llegó un aprendizaje de un fabricante de paraguas, un oficio que no le convenía. En ese momento, era posible comenzar una carrera en alta costura comprando entre los dibujos de diseños de moda originales. Las casas de alta costura los compraron para usarlos como inspiración. El primer estímulo de Poiret llegó cuando Mme. Chéruit, un buen modisto pero menor, compró una docena de sus diseños. Todavía era un adolescente cuando, en 1896, comenzó a trabajar para Jacques Doucet, uno de los modistos más destacados de París.
Afortunadamente, Doucet vendió cuatrocientas copias de uno de los primeros diseños de Poiret, una simple capa roja con forro y reverso grises. Y en cuatro años allí, el diseñador novato ascendió en las filas para convertirse en jefe del departamento de sastrería. Su mayor logro fue confeccionar un abrigo de noche para la gran actriz Réjane en una obra llamada Zaza. El mayor revuelo que podía causar la moda en esos días estaba en el escenario, y Poiret se aseguró de diseñar algo digno de atención:un manto de tul negro sobre tafetán negro pintado con iris a gran escala por un conocido pintor aficionado. Luego vino la costumbre de más actrices, y luego, mientras trabajaba en la obra L'Aiglon protagonizada por Sarah Bernhardt, Poiret se coló en un ensayo general donde el dramaturgo escuchó su crítica mordaz de los escenarios y el vestuario, lo que le costó su trabajo. (Los comentarios no podrían haber alienado a Madame Bernhardt, ya que la vistió para varias películas de 1912). Cumplió con su servicio militar durante el año siguiente y luego se unió a Worth, la principal casa de alta costura como diseñador asistente en 1901. Allí se le dio un trabajo de sous chef para crear lo que Jean Worth (nieto del fundador) llamó las "papas fritas", es decir, la guarnición del plato principal de Worth de lujosos vestidos de noche y recepción. Poiret fue el responsable del tipo de ropa útil y sencilla que necesitaban las mujeres que tomaban el autobús en lugar de languidecer en un carruaje, y aunque él se sentía menospreciado por sus compañeros de trabajo, sus diseños fueron un éxito comercial.
En septiembre de 1903 abrió su propia casa de alta costura en la avenida Auber (esquina con la rue Scribe). Allí atrajo rápidamente la costumbre de antiguos clientes como la actriz Réjane. En 1905 se casó con Denise Boulet, hija de un fabricante textil, cuya figura de niña abandonada y apariencia poco convencional cambiarían su forma de diseñar. En 1906, Poiret se mudó a 37, rue Pasquier, y en 1909 pudo mudarse a unas habitaciones bastante grandes:un gran hôtel particulier del siglo XVIII. en 9 avenue d'Antin (perpendicular al Faubourg Saint-Honoré y desde la Segunda Guerra Mundial conocida como Avenue Franklin-Roosevelt). El arquitecto Louis Suë supervisó las renovaciones; los espectaculares terrenos abiertos incluían un jardín parterre. Poiret también compró dos edificios contiguos en Faubourg St. Honore, que luego estableció como Martine y Rosine.
Les Robes de Paul Poiret
Hasta la publicación en octubre de 1908 de Les Robes de Paul Poiret , Poiret era simplemente un modisto prometedor, que probablemente ocuparía un lugar en la jerarquía tan seguro como el de Doucet o Worth. Sin embargo, el álbum de lujo de edición limitada de los diseños de Poiret tal como lo concibió y representó exquisitamente el nuevo artista Paul Iribe tendría un impacto de gran alcance, colocando a Poiret en una nueva posición desconocida, la de diseñador audazmente inventivo y árbitro del gusto. La presentación de la moda hasta entonces había sido bastante sencilla:las revistas mostraban la ropa en una variedad de medios, basados en lo que era técnicamente posible:bocetos en blanco y negro, xilografías coloreadas a mano o litografías en color y, en el caso de la Revista francesa Les Modes , fotografías en blanco y negro o fotografías en blanco y negro con tonos pastel. Las poses eran las típicas de estudio de un fotógrafo, modelos cuidadosamente posados contra un fondo apagado, con un sentimiento vagamente paisajístico o interior.
Usando el método de impresión pochoir, que resultó en áreas de color brillantemente saturadas, Paul Iribe yuxtapuso la ropa gráficamente llamativa de Poiret contra fondos elegantemente dispuestos que incluían piezas de muebles antiguos, obras de arte decorativas y pinturas de maestros antiguos. Los vestidos, representados en color, sobresalían de los fondos en blanco y negro. Este enfoque inventivo fue tremendamente influyente, no solo afectando la futura ilustración y fotografía de moda, sino también cimentando la relación entre el arte y la moda y probablemente inspirando el lanzamiento de publicaciones tan exquisitamente concebidas como la Gazette du Bon Ton.
Los vestidos no fueron menos noticiables e influyentes. Cuando Poiret presentó su silueta delgada y de talle alto de 1908, fue la primera vez (pero no la última) que una moda radicalmente nueva se basaría literalmente en el pasado. Los vestidos, principalmente para la noche, presentan líneas estrechas, cinturas altas, brazos cubiertos y escotes pronunciados. Su inspiración es a la vez Directorio y medieval. Al abandonar la figura bifurcada de principios del siglo XX, Poiret miró hacia atrás a una época en la que la vestimenta revolucionaria en sí misma hacía referencia a la antigüedad. De repente, la silueta del reloj de arena estaba pasada de moda.
Poiret, Bakst y el orientalismo
Poiret tenía afinidad con todo lo oriental y afirmaba haber sido un príncipe persa en una vida anterior. Significativamente, la primera pieza de inspiración asiática que diseñó, mientras aún estaba en Worth, fue controvertida. Una sencilla capa de estilo chino llamada Confucio, ofendió la sensibilidad occidental de un importante cliente, una princesa rusa. A sus grandes ojos parecía sorprendentemente simple, el tipo de ropa que usaría un campesino; cuando Poiret abrió su propio establecimiento, esas capas estilo túnica mandarina serían los más vendidos.
El año 1910 fue un punto de inflexión para el orientalismo en la moda y las artes. En junio, el Ballet Russe interpretó Scheherazade en la Ópera de París, con decorados y vestuario de Leon Bakst. Su efecto en el mundo del diseño fue inmediato. Aquellos que vieron la producción o los bocetos en acuarela de Bakst reproducidos en revistas tan lujosas como Art et Decoration (en 1911) quedaron deslumbrados por las atrevidas combinaciones de colores y la arremolinada profusión de patrones. Dado que se podría decir que la belle Époque se definió por los tonos delicados y sutiles de los impresionistas, tal uso del color sería visto como innovador.
Aunque la gente hablaba del color y el patrón, estos sirven para oscurecer el aspecto más atrevido de los trajes del Ballet Russe:la transparencia (sin mencionar la escasez) de los materiales. Incluso en los dibujos publicados en 1911, se pueden ver pezones a través de corpiños de seda transparente, y no solo piernas, sino también muslos en pantalones harén. Los diafragmas, masculinos y femeninos, estaban completamente desnudos. Ya sea inspirado o reforzado por Bakst, ciertos efectos del Cercano Oriente:las piernas suavemente hinchadas, los turbantes y el escote de sobrepelliz y el efecto de túnica se convirtieron en firmas de Poiret.
La portada de Les Modes de abril de 1912 presentaba una ilustración de Georges Barbier de dos hechiceras de Poiret en un jardín iluminado por la luna, una vestida con el tipo de abrigos de capullo de atrevidos estampados por los que Poiret sería conocido a lo largo de su carrera, la otra con un suave vestido de noche con cintura alta, debajo. sobrefalda hasta la rodilla, enaguas estrechas que se arrastran, el corpiño lo suficientemente transparente como para dejar al descubierto los pezones.
La rosa de Poiret
Si bien hay algunos diseñadores asociados con flores específicas (Chanel y la camelia, Dior y el lirio de los valles), nadie puede presumir el logro de haber reinventado una flor de tal manera que siempre se identifique con ellos. La rosa de Poiret (reducida a sus elementos más simples de líneas curvas superpuestas) puede haber aparecido por primera vez en forma de una flor tridimensional de gasa de seda cosida al corpiño imperio de Josephine, uno de los vestidos de 1907 que aparecen en el álbum de 1908. Les Robes de Paul Poiret. Versiones planas de la rosa de Poiret, bordadas en cuentas, aparecieron en la túnica del minarete del conocido vestido Sorbet, 1913. La etiqueta característicamente grande y llamativa de Poiret también presentaba una rosa.
Si bien la afirmación de Poiret de haber desterrado por sí solo la paleta eduardiana de malvas desmayados puede verse como egoísta, dada la tremenda influencia de Bakst, sus afirmaciones sobre la eliminación del corsé tienen más validez. En cada una de las numerosas fotografías de Denise Poiret, ella está vestida con un fluido deslizamiento de tela; no hay evidencia de los bultos y protuberancias de los corsés y otros apuntalamientos. La corsetería y la transparencia son difícilmente compatibles y el deshuesado interrumpiría las líneas estrechas de Poiret.
El Jupe-Culotte
En el curso de la producción de su (gran éxito) segundo álbum de diseños Les Choses de Paul Poiret (1911), Poiret le pidió a su último descubrimiento, el artista Georges Lepape, que le diera una idea para un nuevo look. fue Mme. Lepape, quien esbozó su idea de un traje moderno y se la metió en el bolsillo a su marido. Cuando Poiret preguntó dónde estaba la nueva idea, hubo que recordarle a Lepape que la buscara. La próxima vez que se vieron, Poiret sorprendió a la pareja con un maniquí que lucía su versión de su diseño:una túnica larga con cuello barco y cintura alta sobre pantalones oscuros recogidos en puños a la altura del tobillo. Y así, al final del álbum bajo el título:Tomorrow's Fashions, aparecieron varios híbridos vestido/pantalón, que se conocerían como jupe-culottes.
El jupe-culotte causó sensación internacional. La era victoriana había dejado a los sexos cimentados en roles rígidos fácilmente visibles en su forma de vestir:los hombres con el monótono pero liberador uniforme de los negocios, y las mujeres en una casi literal jaula dorada de huesos de ballena y acero, brocado y encaje. Si bien el impulso de Poiret parece haber sido principalmente estético, el hecho de que coincidiera con la cruzada de las sufragistas que retomó el lugar donde la había dejado Amelia Bloomer sirvió para provocar un cambio real en la forma de vestir de las mujeres. Durante meses todo lo relacionado con el jupe-culotte fue noticia importante. En su encarnación más común, una especie de vestido de noche de talle alto con líneas de túnica que revelan pantalones de harén de gasa suave, el jupe-culotte era muy poco moderno, requería la ayuda de una criada para entrar y salir y era absolutamente impráctico para cualquier otra cosa que no fuera mirando au courant. Sin embargo, Poiret diseñó numerosas versiones más adaptadas, a menudo con detalles militares y sus materiales favoritos a cuadros o rayas; estos miran hacia el futuro (alrededor de cincuenta años) al traje de pantalón de alta costura.
Escuela de Arte Martine
En el espacio de cinco años, Poiret se había convertido en un éxito de renombre mundial. Ahora vino otro acto influyente. Martine, que lleva el nombre de una de las hijas de Poiret, abrió el 1 de abril de 1911 como escuela de artes decorativas. Poiret admitió haberse sentido inspirado por su visita de 1910 al Wiener Werkstätte, pero su idea para Martine implicaba un lugar donde la imaginación pudiera florecer en lugar de ser disciplinado en un cierto estilo. Las jóvenes, que en su adolescencia temprana habían terminado su educación tradicional, se convirtieron en alumnas. Su tarea era visitar zoológicos, jardines, acuarios y mercados y hacer bocetos. Sus bocetos se desarrollaron luego en motivos decorativos. Una vez que se había completado una pared llena de estudios, Poiret invitaba a colegas artistas y especialistas en papel tapiz, textiles o bordados para una especie de crítica. Los estudiantes fueron recompensados por diseños seleccionados, pero también pudieron ver su trabajo convertido en artículos de Martine como alfombras, porcelana, cerámica, papel tapiz, textiles para interiores y moda. El Salon d'Automne de 1912 exhibió muchos de estos artículos hechos según los diseños de la École Martine y Poiret abrió una tienda Martine en 107, Faubourg Saint-Honoré.
En unos pocos años, se había desarrollado un estilo interior típico de Martine, yuxtaponiendo formas simples y sobrias con diseños nativos a gran escala inspirados principalmente en la naturaleza. Un baño de 1914 presentaba baldosas de micromosaico que convertían el piso, la caja del lavabo y la bañera en una extensión continua y suave salpicada de murales o paneles de baldosas con dibujos de uvas estilizadas en la vid. Había departamentos de Martine en tiendas de toda Europa; aunque más decorativa que lo que se conocería como art deco y art moderne, Martine merece un lugar temprano en la cronología del diseño de interiores y muebles modernos.
También en 1911, Poiret inauguró una empresa de perfumes, nombrándola en honor a otra hija, Rosine, y ubicándola en la misma dirección que Martine. La estética visionaria de Poiret se adaptaba perfectamente al mundo de los aromas y estuvo involucrado en todos los aspectos del diseño de la botella, el empaque y la publicidad, incluidos los fanáticos publicitarios de Rosine. También estaba interesado en nuevos desarrollos de esencias sintéticas y en expandir la idea de lo que es una fragancia agregando lociones, cosméticos y jabones. Compañeros modistos como Babani, Callot Soeurs, Chanel y Patou fueron de los primeros en seguir su ejemplo; gracias a Poiret, los perfumes continúan siendo una parte integral de la imagen (y el negocio) de una casa de moda.
Poiret el Showman
En un momento en que aún no se había inventado la pasarela y las modelos mostraban ropa en ambientes íntimos en casas de alta costura, las giras promocionales de Poiret por Europa en 1911 y 1914 con modelos que vestían sus últimos diseños causaron un gran revuelo.
El 24 de junio de 1911 se llevó a cabo el famoso baile de las 1002 noches en el jardín de la avenida d'Antin con Paul Poiret como sultán y Denise Poiret como la favorita del sultán en una combinación de dos de los grandes éxitos de Poiret, un jupe-culotte con túnica de minarete. Las invitaciones especificaban cómo debían vestirse los invitados:se le dijo a Dunoyer de Segonzac que viniera como Champagne, el ayuda de cámara de Su Majestad y Raoul Dufy como el tonto del rey. Si uno de los 300 invitados se presentaba con un vestido chino (o, peor aún, de noche convencional), lo enviaban a un guardarropa para que lo ataviaran al gusto persa. Aunque los bailes de disfraces habían estado de moda durante varias décadas, este parece haber tocado una fibra sensible; tal vez fue el primer evento enormemente lujoso (champán, ostras y otras delicias fluían libremente) organizado por una persona creativa (en el comercio nada menos) en lugar de un aristócrata. Las futuras fiestas, cada una con un tema cuidadosamente pensado, no lograron el mismo nivel de emoción. Después de la guerra, los pensamientos de Poiret se habían vuelto hacia empresas lucrativas cada vez más locas. El club nocturno fue la última diversión después de la Primera Guerra Mundial y Poiret convirtió su jardín primero en un local nocturno, y luego en 1921 se convirtió en un teatro al aire libre, Oasis, con un techo retráctil diseñado para él por el fabricante de automóviles Voisin. Esta aventura duró seis meses.
Su último espectáculo verdaderamente notable fue su exhibición en la Exposición de Artes Decorativas e Industriales de París de 1925. En lugar de instalar una exhibición en un lugar aprobado en un edificio oficial, Poiret instaló tres barcazas en el Sena. Decorado con colores patrióticos franceses, Delices era un restaurante decorado con anémonas rojas; Amours estaba decorado con claveles Martine azules; y Orgues era blanco con catorce lienzos de Dufy que representan regatas en Le Havre, Ile de France, Deauville; y carreras en Longchamps, mostrando algunos de los últimos diseños de vestidos de Poiret bajo su propia marca. Estaba claro que su entusiasmo por las ideas se dirigía a otra parte que no fuera la moda. Típicamente exagerado, también encargó un tiovivo en el que uno podía montar figuras de la vida parisina, incluidos él y sus midinettes. , o dependientas.
El entorno de Poiret
El interés de Poiret por las bellas artes contemporáneas de la época comenzó cuando aún era muy joven. Sus amigos artistas incluían a Francis Picabia y André Derain, quienes pintaron su retrato cuando ambos servían en el ejército francés en 1914. Sus hermanas eran Nicole Groult, casada con Andre Groult, el diseñador de muebles modernos; y Mme. Boivin, el joyero; otro era poeta. Además de descubrir a Paul Iribe y Georges Barbier, revitalizó la carrera de Raoul Dufy encargándole diseños de telas basados en grabados en madera e iniciando una larga carrera en el diseño textil y dando nueva vida a sus pinturas también. Bernard Boutet de Monvel trabajó en numerosos proyectos iniciales para Poiret, incluida, curiosamente, la redacción de copias de catálogo para sus folletos de perfumes. Siendo bastante joven, Erté vio (y dibujó) los maniquíes de Poiret en Rusia en 1911; después de emigrar a París, trabajó como asistente de diseño de Poiret desde principios de 1913 hasta el estallido de la guerra en 1914. Sus ilustraciones acompañaron artículos sobre la moda de Poiret en Harper's Bazaar y revelar un estilo característico de Erté que podría no haberse desarrollado sin la inspiración de Poiret. También lanzó las carreras de Madeleine Panizon, una estudiante de Martine que se convirtió en sombrerera, y descubrió al zapatero Andre Perugia, a quien ayudó a establecer un negocio después de la Primera Guerra Mundial.
La clientela de Poiret
No es sorprendente que los clientes de Poiret fueran más que bellezas profesionales, tendederos o socialites. Además de las actrices más importantes de su tiempo, Réjane y Sarah Bern-hardt, la animadora Josephine Baker y la célebre Liane de Pougy, una de las últimas de los grandes horizontales, estaban:la condesa Grefulhe, musa de Marcel Proust, y Margot Asquith, esposa del primer ministro inglés, quien lo invitó a mostrar sus estilos en Londres, creando un furor político por su deslealtad (y la de su esposo) hacia los diseñadores británicos. Nancy Cunard, ícono del estilo de principios del siglo XX ataviada con un brazalete de marfil, recordó que había estado usando un vestido Poiret con alforjas doradas en 1922 en un baile en el que estaba aburrida de bailar con el Príncipe de Gales, pero emocionada de conocer y charlar con TS. Eliot.
La empresaria internacional de cosméticos Helena Rubinstein conoció a Poiret cuando era un joven asistente de diseño en Worth y lo siguió cuando se puso en marcha por su cuenta. Fue fotografiada con uno de sus atrevidos jupeculottes en 1913 y lució un vestido de estilo egipcio de Poiret en sus anuncios de 1924. La autora francesa por excelencia Colette era una de sus clientas. Boldini pintó la Marchesa Casati en un elegante remolino de Poiret y galgos. Los mecenas de arte estadounidenses Peggy Guggenheim y Gertrude Whitney se vistieron con la alta bohemia de Poiret y Natasha Hudnut Rambova, ella misma diseñadora y la exótica esposa del ídolo matinal Rudolf Valentino, fueron a Poiret por su ajuar.
Poiret de posguerra
Poiret estuvo involucrado durante la guerra como sastre militar, y aunque ocasionalmente fue noticia con un diseño o artículo, cuando fue desmovilizado en 1919 tuvo que relanzar sus negocios de moda, decoración y perfumería. Su primera colección después de la guerra, mostrada en el verano de 1919, fue recibida con entusiasmo y revistas de moda como Harper's Bazaar continuó presentando regularmente sus lujosas creaciones, generalmente hechas en colores vivos, telas con estampados exuberantes y lujosamente adornadas con pieles. El trabajo de Poiret encajaba perfectamente con la primera parte de la década de 1920. La silueta dominante era tubular y bastante larga, y la mayoría de los abrigos se cortaban del lado completo con mangas de kimono o dolman. Tales siluetas eran perfectas para exhibir las maravillosas decoraciones de Poiret, ya sea inspiradas en Martine o tomadas de la ropa nativa de todo el mundo. Continuó mostrando ocasionalmente grandes éxitos anteriores como jupe-culottes y vestidos con túnicas de minarete. En 1924 dejó su gran cuartel en la avenida d'Antin, mudándose a Rond Point en 1925. Dejaría ese negocio en 1929.
Oscuridad
Para 1925, Poiret había comenzado a sonar como un cascarrabias, criticando los vestidos camiseros, las faldas cortas, las medias de color carne y los tobillos gruesos con el mismo tipo de tono despotricante que una vez usó M. Worth para criticar la falda del pantalón de Poiret. Financieramente, también le fue mal y vendió su negocio en 1929.
En 1931, Ropa de mujer diaria anunció que Paul Poiret estaba reingresando a la alta costura, usando como nombre comercial su número de teléfono "Passy Ten Seventeen". Impedido de usar su propio nombre por un arreglo legal, le dijo al periódico que planeaba imprimir su fotografía en su papelería, ya que presumiblemente todavía poseía los derechos de su rostro. Esta empresa cerró en 1932. Después de diseñar algunos para grandes almacenes como Liberty en Londres en 1933, centró su atención en una variedad de esfuerzos, incluida la escritura (una autobiografía llamada King of Fashion ) y pintura. Sucumbió a la enfermedad de Parkinson el 28 de abril de 1944.
Si bien a Gabrielle Chanel se le atribuye ser la primera mujer en vivir la vida moderna del siglo XX (diseñando en consecuencia), es Poiret quien creó la idea contemporánea de un modisto como árbitro de gran alcance. Dejando a un lado sus contribuciones específicas a la moda, Poiret fue el primero en hacer noticias de moda de primera plana; colaborar con artistas plásticos; desarrollar líneas de fragancias; expandirse a la decoración de interiores; y ser conocido por su lujoso estilo de vida. De manera conmovedora, también fue el primero en perder los derechos de su propio nombre.
Los primeros estilos de Poiret eran radicalmente simples; estos darían paso a diseños "artísticos" cada vez más lujosos y un comportamiento similar al de un showman. Hacia 1913 Harper's Bazaar ya recordaba sus notables logros:originar la silueta estrecha, iniciar la moda de la figura sin corsé, acabar con la enagua, ser el primero en lucir el jupe-culotte y la túnica alminar. El hecho de que el mundo de la moda ya sintiera nostalgia por sus logros resultó extrañamente profético:su capacidad para transformar la forma en que se vestían las mujeres pasaría con la Primera Guerra Mundial.
Ver también Jacques Doucet; Diseñador de moda; Orientalismo; Moda de París; Carlos Federico Worth.
Bibliografía
Deslandres, Yvonne, con Dorothée Lalanne. Poiret Paul Poiret 1879-1944. Nueva York:Rizzoli International, 1987.
Pablo Poiret. El rey de la moda:la autobiografía de Paul Poiret. Filadelfia y Londres:J. B. Lippincott, 1931.
Remaury, Bruno, ed. Dictionnaire de la Mode Au XXe Siecle. París:Ediciones du Regard, 1994.
Sweeney, James Johnson. "Inspiración de Poiret para artistas, diseñadores y mujeres". Vogue , 1 de septiembre de 1971, 186-196.
Blanco, Palmer. Poiret. Nueva York:Clarkson N. Potter Inc., 1973.