Los trajes de ballet constituyen una parte esencial del diseño escénico y pueden considerarse como un registro visual de una actuación. A menudo son la única supervivencia de una producción, y representan una imagen imaginaria viva de la escena.
Renacimiento y Barroco
Los orígenes del ballet se encuentran en los espectáculos de la corte del Renacimiento en Francia e Italia, y la evidencia de trajes específicos para el ballet se remonta a principios del siglo XV. Las ilustraciones de este período muestran la importancia de las máscaras y la vestimenta para los espectáculos. El esplendor de la corte se reflejó fuertemente en los trajes de ballet lujosamente diseñados. El algodón y la seda se mezclaron con lino tejido en gasa semitransparente.
Desde principios del siglo XVI se construyeron teatros públicos en Venecia (1637), Roma (1652), París (1660), Hamburgo (1678) y otras ciudades importantes. Los espectáculos de ballet se combinaron en estos lugares con festividades procesionales y mascaradas, ya que los trajes de escenario se decoraron mucho y se fabricaron con materiales caros. El traje básico para un bailarín masculino era una coraza ajustada, a menudo brocada, una falda corta drapeada y cascos decorados con plumas. Las bailarinas vestían túnicas de seda opulentamente bordadas en varias capas con flecos. Los componentes importantes de la vestimenta de ballet eran las botas con cordones apretados, tacones altos y cuñas para ambos bailarines, que constituían el calzado característico de este período.
A partir de 1550, la vestimenta clásica romana tuvo una fuerte influencia en el diseño de vestuario:las faldas de seda eran voluminosas; el posicionamiento de los escotes y las cinturas y el diseño de los peinados se basaron en los componentes de la vestimenta cotidiana, aunque en el escenario a menudo se exageraban los detalles clave. Los vestidos de los bailarines masculinos fueron influenciados por las armaduras romanas. Los colores típicos de los trajes de ballet iban desde el cobre oscuro hasta el granate y el púrpura. Se puede encontrar una descripción más detallada de la vestimenta teatral en los períodos Renacimiento y Barroco en Four Centuries of Ballet de Lincoln Kirstein. (1984, pág. 34).
Siglo XVII
Desde el siglo XVII en adelante, las sedas, los satenes y las telas bordadas con oro real y piedras preciosas aumentaron el nivel de decoración espectacular asociada con los trajes de ballet. La vestimenta de la corte siguió siendo el traje estándar para las artistas femeninas, mientras que los trajes de los bailarines masculinos se habían convertido en una especie de uniforme adornado con una decoración simbólica para denotar el carácter o la ocupación; por ejemplo, las tijeras representaban a un sastre.
La primera representación de ballet ruso se realizó en 1675 y los rusos adoptaron diseños de ballet europeos. Aunque el vestuario de los artistas masculinos permitía una total libertad de movimiento, las prendas pesadas y las estructuras de soporte de las bailarinas no permitían gestos elegantes. Sin embargo, los bailarines en travesti , a menudo usaba faldas hasta la rodilla. Los trajes lujosamente decorados de este período reflejaban la gloria de la corte; los detalles de los vestidos y las siluetas se exageraron para que fueran visibles e identificables para los espectadores que miraban desde la distancia.
Siglo XVIII
Desde principios del siglo XVIII, el ballet europeo se centró en la Ópera de París. Los trajes de escenario seguían siendo muy similares en contorno a los que se usaban habitualmente en la corte, pero más elaborados. Hacia 1720, el panier , una enagua con aros, apareció levantando las faldas unos centímetros del suelo. Durante el reinado de Luis XVI, la vestimenta de la corte, los trajes de ballet y el diseño arquitectónico de moda incorporaron estampados decorativos rococó y guirnaldas ornamentales. Flores, volantes, cintas y encajes enfatizaron este opulento estilo femenino, mientras que los suaves tonos pastel en cidra, melocotón, rosa, azul y pistacho dominaron la gama de colores del vestuario escénico. Las bailarinas en roles masculinos se hicieron populares y, después de la Revolución Francesa en 1789 en particular, los trajes masculinos reflejaron el estilo neoclásico más conservador y sobrio, que dominó el diseño de la vestimenta cotidiana de moda. Sin embargo, las pelucas y los tocados masivos aún restringían la movilidad de los bailarines. En los siglos XVIII y XIX, el ballet ruso y el ballet europeo se desarrollaron de manera similar y, a menudo, se los consideraba parte integral de la ópera.
Siglo XIX
Desde principios del siglo XIX, los ideales del romanticismo se reflejaron en el vestuario escénico femenino a través de la introducción de corpiños ajustados, coronas florales, ramilletes y perlas en telas, así como collares y pulseras; El estilo neoclásico todavía dominaba el diseño del vestuario masculino. Además, el papel de la bailarina como bailarina estrella se hizo más importante y se enfatizó con corsés ajustados, corpiños enjoyados y tocados opulentos. En 1832, el tutú blanco con capas de gasa de Marie Taglioni en La Sylphide marcó una nueva tendencia en el vestuario de ballet, en el que las siluetas se hicieron más ajustadas, dejando al descubierto las piernas y los pies en punta permanente. A partir de este momento, la silueta de los trajes de ballet se volvió más ajustada. La coreografía requería que las bailarinas usaran zapatillas de punta todo el tiempo. El ballet ruso siguió desarrollándose en el siglo XIX y escritores y compositores como Tolstoy, Dostoevsky y Tchaikovsky cambiaron el significado del ballet a través de la composición de producciones narrativas. Coreógrafos de ballet clásico, como Marius Petipa, crearon ballets de cuentos de hadas, incluido La bella durmiente. (1890), El lago de los cisnes (1895) y Raymonde (1898), haciendo muy populares los disfraces de fantasía.
Siglo XX
A principios del siglo XX, los trajes de ballet se reformaron nuevamente bajo la influencia más liberal del coreógrafo ruso Michel Fokine. Las faldas de bailarina cambiaron gradualmente para convertirse en tutús hasta la rodilla diseñados para mostrar el trabajo de puntos y múltiples giros, que formaron el foco de la práctica de la danza. La bailarina Isadora Duncan liberó a las bailarinas de los corsés e introdujo una silueta natural revolucionaria. El empresario y productor ruso Serge Diaghilev marcó esta era con sus innovaciones creativas, y los profesionales del vestuario como Alexandre Benois y Léon Bakst lo demostraron en espectáculos como Schéhérezade (1910), que la influencia del orientalismo se había extendido de la moda al escenario y viceversa. De hecho, diseñadores de moda como Jean Poiret ya habían utilizado la forma de túnica adoptada por los bailarines en la era anterior a la guerra y, en la década de 1920, los diseñadores de vestuario actualizaron los ballets clásicos rusos con túnicas exóticas y velos que envolvían el cuerpo. Los bailarines de ballet vestían túnicas holgadas, pantalones harén y turbantes, en lugar del tutú y el tocado de plumas establecidos. En lugar de colores pastel discretos, los tonos vibrantes, como el amarillo, el naranja o el rojo, a menudo en patrones salvajes, daban una impresión visual sin precedentes de un exotismo emocionante al espectador.
Modernismo y Posmodernismo
El modernismo liberalizó las reglas del vestuario de ballet y, después de la muerte de Diaghilev en 1929, el diseño de vestuario ya no se vio obstaculizado por las restricciones impuestas por los tradicionalistas. Hoy en día, los bailarines de ballet actúan con varios disfraces, que aún pueden incluir diseños tradicionales de Diaghilev. En producciones posmodernas como El lago de los cisnes de Matthew Bourne , la diseñadora de vestuario Lez Brotherston convirtió a las gráciles cisnes hembra tradicionales en cisnes machos con las piernas descubiertas y las piernas emplumadas. Sin embargo, los diseñadores de moda de la década de 1990 han retomado el tema de las bailarinas. La casa Chanel diseñó elegantes zapatillas sin tacón atadas con cintas y sacó la bailarina del escenario a la calle.
La máscara en los espectáculos de ballet
Design for Ballet de Mary Clarke y Clement Crisp (Londres, 1978, p. 34) sirve para ilustrar una vívida descripción de la importancia de las máscaras en las representaciones de ballet para estilizar a los personajes:"Para los demonios, esto era realmente espantoso; para las ninfas sería dulcemente ingenuo". , los ríos usaban máscaras barbudas venerables, mientras que los enanos y los jóvenes podían estar gravados con cabezas masivas. A veces también se colocaban máscaras sobre las rodillas, los codos y el pecho para indicar algo más del carácter ". Las medias máscaras todavía se usaban hasta la década de 1770 y desde entonces fueron reemplazadas por maquillaje facial.
Ver también Danza y Moda; traje de baile; Vestuario Teatral.
Bibliografía
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