Una fotografía de moda es, simplemente, una fotografía hecha específicamente para mostrar (o, en algunos casos, aludir a) ropa o accesorios, generalmente con la intención de documentar o vender la moda. Las fotografías de vestidos de moda, que existen desde la invención de la fotografía en 1839, no son fotografías de moda. La característica distintiva, y el denominador común en la enorme diversidad de estilo, enfoque y contenido, es la intención de la fotografía de moda de transmitir moda o un estilo de vida "a la moda". A finales del siglo XX, el anuncio de Calvin Klein que presentaba solo el retrato de Calvin cambió la definición misma de una fotografía de moda de una imagen de la ropa presentada a la venta de un estilo de vida glamoroso identificado con un logotipo específico.
La fotografía de moda a veces ha sido calificada de efímera, comercial y frívola, y su importancia ha sido cuestionada. Que la fotografía de moda tenga una intención comercial implica para algunos que carece de integridad fotográfica y artística. En realidad, ha producido algunos de los documentos más creativos, interesantes y socialmente reveladores y ha revelado las actitudes, convenciones, aspiraciones y gustos de la época. También refleja la imagen que las mujeres tienen de sí mismas, incluidos sus sueños y deseos, su propia imagen, sus valores, su sexualidad y sus intereses.
La psicología detrás de una fotografía de moda como dispositivo de venta es la disposición del espectador a creer en ella. No importa cuán artificial sea el entorno, una fotografía de moda debe persuadir a las personas de que si usan esta ropa, usan este producto o se complementan de esa manera, la realidad de la fotografía será suya. La fotografía de moda puede ofrecer una visión de un determinado estilo de vida (desde el glamuroso al grunge), el sexo o la aceptación social (a través de la más actual, la más cara o la más inalcanzable), pero es la aceptación del espectador lo que hace que la fotografía exitosa.
Fotografía de moda temprana
Las primeras fotografías de moda se realizaron, probablemente en las décadas de 1850 y 1860, para documentar la moda de las casas de moda parisinas. La reproducción en las revistas de moda se produjo mucho más tarde, entre 1881 (con la invención del proceso de impresión de medios tonos por parte de Frederic Eugene Ives) y 1886 (cuando el refinamiento del proceso lo hizo viable desde el punto de vista financiero). Este avance hizo posible reproducir fotografías y venderlas a una gran audiencia a través de la página impresa.
A finales del siglo XIX y principios del XX, las distinciones entre la fotografía de moda, el retrato y la fotografía de teatro a menudo se difuminaban. La idea de utilizar modelos profesionales inicialmente se consideró chocante y, por lo tanto, se puso de moda en los primeros años del siglo para que las celebridades de la sociedad, como Gertrude Vanderbilt Whitney, modelaran. El resultado fue que las fotografías de moda eran sorprendentemente similares a los retratos de sociedad. La idea de usar una actriz como Sarah Bernhardt no es diferente a la moda de principios de la década de 2000 de usar a Gwyneth Paltrow o Madonna o las estrellas del tenis Venus y Serena Williams para modelar la moda actual.
Que la fotografía de moda del siglo XIX no existiera es un error. Muchos creen que los estadounidenses fueron los primeros en este campo, tal vez basándose en la afirmación de Edward Steichen de que fue el primer fotógrafo de moda. Esto ha oscurecido las contribuciones de fotógrafos de moda parisinos tan importantes como Maison Reutlinger, Talbot, Felix, Henri Manuel y Boissonnas et Taponnier ya en 1881. Trabajaban en el estudio, pero también se tomaban encantadoras fotografías de moda al aire libre en los bulevares parisinos y en las carreras de los Seeberger Frères en la primera década del siglo XX.
Fotografía de moda estadounidense, 1900-1930
El primer fotógrafo de moda estadounidense importante fue el barón Adolf de Meyer, nacido en Europa, que había entrado en la sociedad londinense de moda a través de su matrimonio con Donna Olga Alberta Caracciolo (la hija de la duquesa de Castelluccio y supuestamente la hija ilegítima del rey Eduardo VII). y fue nombrado caballero por el rey de Sajonia. De Meyer cambió la fotografía de moda al desintegrar la forma y bañar sus imágenes en una atmósfera límpida y una luz brillante, creando lo que Vogue en 1914 denominó fotografía "artística". Este enfoque cambió la idea de lo que debería ser una fotografía de moda, de una representación exacta de los detalles de una prenda a una evocación del estado de ánimo.
En 1924, Edward Steichen reemplazó los efectos de enfoque suave del estilo de De Meyer con las limpias líneas geométricas del modernismo fotográfico. Steichen rechazó los fondos rococó utilizados por de Meyer en favor de escenarios elegantes y sin adornos y mostró a la mujer moderna con ropa deportiva que reflejaba un sentido nuevo y liberado de sí misma y su libertad del corsé. Muchas de las fotografías más importantes de Steichen presentaban a su modelo insignia, Marion Morehouse, quien personificaba el aspecto de la mujer "contemporánea", la flapper. Otros fotógrafos importantes que se beneficiaron y fueron influenciados por las innovaciones de Steichen fueron George Hoyningen-Huene, conocido por su extraordinario uso del espacio negativo y su pasión por el ideal griego, y su alumno Horst P. Horst, quien utilizó iluminación teatral y trompe l'oeil. efectos con gran ventaja.
Realismo y Surrealismo
Otro cambio sorprendente, y que tendría un profundo impacto en la fotografía de moda del futuro, fue la introducción en 1933 del realismo al aire libre por parte del fotógrafo deportivo húngaro Martin Munkacsi. Harper's Bazaar de Munkacsi La fotografía de la modelo Lucile Brokaw corriendo por la playa -difuminada, en movimiento y con la naturalidad de las instantáneas amateur- cambió el rumbo de la fotografía de moda. La espontaneidad fue revolucionaria, particularmente cuando se contrasta con el estilo estático y posado de Steichen que lo precedió. La fotografía de moda realista ofreció a la mujer moderna una visión que podría aplicar a su propia vida. El realismo instantáneo de Munkacsi influyó en una larga línea de fotógrafos, incluidos Toni Frissell, Herman Landshoff y Richard Avedon.
El fermento artístico de París en la década de 1930, en particular los aspectos fantásticos, misteriosos y oníricos del surrealismo, tuvo una profunda influencia en la fotografía de moda. El pintor y fotógrafo Man Ray produjo fotografía de moda como una forma de ganar dinero que le permitió dedicarse a la pintura "seria" y la fotografía experimental. Pudo trazar una nueva dirección para la fotografía de moda porque hizo caso omiso de las convenciones de la representación de la moda y, en cambio, produjo alargamientos, exposiciones dobles y un "rayógrafo de moda" que simulaba cómo se vería una moda cuando se transmitiera por radio desde París a Nueva York. Otros fotógrafos de moda que incorporaron ideas de influencia surrealista en su trabajo fueron Peter Rose-Pulham, André Durst, George Platt Lynes y Cecil Beaton.
La experimentación constante y el virtuosismo técnico marcan el trabajo de moda de Erwin Blumenfeld, quien usó la solarización, la sobreimpresión, las combinaciones de imágenes negativas y positivas, el sándwich de transparencias en color e incluso el secado de los negativos húmedos en el refrigerador, dando como resultado la cristalización, para lograr sus extraordinarios efectos. . También importante en la década de 1930 fue la aparición de Kodachrome, que llegó al mercado en 1935. Louise Dahl-Wolfe fue una de las primeras y más importantes practicantes del color en la fotografía de moda, creando impactantes fotografías de la moda estadounidense con la nueva tecnología del color.
Fotografía de moda después de la Segunda Guerra Mundial
La fotografía de moda se vio gravemente afectada con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, no solo por la falta de materiales, modelos y lugares seguros, sino también por una actitud de desmoralización hacia el medio:porque la moda era vista como una actividad frívola y Como una forma innecesaria de lujo, las revistas de moda enfatizaron el papel de la mujer en la guerra, racionalizaron la moda como forma de moral, publicaron informes de guerra en lugar de columnas de sociedad y presentaron la ropa a medida, sencilla y, a menudo, monótona, más adecuada para un mundo sujeto a informes diarios de muerte. y destrucción. La fotografía de estudio con sus accesorios y configuraciones complicadas casi fue eliminada. En general, fotógrafos como Lee Miller en París y Cecil Beaton en Londres recurrieron a un enfoque documental sencillo. Louise Dahl-Wolfe produjo algunas de las fotografías de moda estadounidenses más importantes de la década de 1940 utilizando un estilo claro y sencillo.
Con el final de la guerra, Nueva York reemplazó a París como la meca de la fotografía de moda. La industria del diseño de moda y de la confección estadounidense logró su primer éxito internacional en el período de posguerra. Era el momento propicio para el surgimiento de dos jóvenes talentos estadounidenses que dominarían la fotografía de moda durante muchos años:Richard Avedon e Irving Penn.
La encantadora facilidad del estilo de moda de Richard Avedon de la década de 1950 se adaptaba perfectamente a una sociedad cansada de la guerra. En esta década, Avedon presentó a sus modelos como chicas glamorosas pero "reales" cuya exuberancia despreocupada era tanto sofisticada como atractiva. Cada una era una especie de actriz, creando tanto un look de moda como un diálogo de emociones. En la década de 1960, el trabajo de moda de Avedon se había trasladado desde los lugares al aire libre y la luz natural suave y hermosa de este trabajo temprano a su estilo característico de modelos corriendo y saltando sobre un fondo blanco liso, iluminado con la luz áspera y rasante de la luz estroboscópica.
El otro gran líder de la moda cuyo trabajo comenzó en la década de 1940 es Irving Penn. El trabajo de Penn no tiene rival en términos de complejidad formal, en la rica belleza de la forma construida, la elegancia de la silueta y la interacción abstracta de la línea y el volumen. En comparación con el candente momento de inmediatez de las fotografías de Avedon, el trabajo de Penn apuntaba a los valores de la monumentalidad, la claridad formal y la verdad tranquila. Quizás sus tomas más extraordinarias sean las realizadas en colaboración con su esposa, la modelo Lisa Fonssagrives-Penn.
Tanto Avedon como Penn tienen carreras sostenidas durante un período de cinco décadas, un récord de notable variedad y consistencia. La capacidad de Avedon para asumir riesgos inventivos y su inspiración creativa, con su caleidoscopio de técnicas e ideas, no tienen igual en el campo de la fotografía de moda. Siempre capta el "look" del momento, en parte debido a su elección de la modelo que mejor personifica la época, desde Dorian Leigh, Dovima y Suzy Parker hasta Verushka, Twiggy, Jean Shrimpton, Brooke Shields y Nastassja Kinski.
Fotografía de moda en la década de 1960
La fotografía de moda en la década de 1960 dio paso a temas más exóticos y de orientación social. En parte, esto se debió al hecho de que el diseño de moda comenzó a mostrar la influencia de muchas fuentes diversas, desde estilos campesinos y "callejeros" hasta el movimiento de liberación de la mujer, el programa espacial y el arte pop. Hubo una ruptura con las convenciones, tanto en las costumbres sociales como en la moda misma:se diseñaron atuendos escandalosos y aparentemente imposibles de usar, los modelos reflejaron una nueva diversidad de "apariencia" y raza, y la moda se redefinió hacia un mercado desafiante dominado por la cultura juvenil. /P>
La década de 1960 también fue una época en la que ciertos fotógrafos de moda, incluidos Bert Stern y David Bailey, disfrutaron de estilos de vida de alto voltaje, tarifas vertiginosas y lujosos montajes de estudio. En el extremo opuesto, la influencia de Penn y Avedon siguió atrayendo a jóvenes fotógrafos serios de todo el mundo a Nueva York. Yasuhiro Wakabayashi, conocido profesionalmente como Hiro, desarrolló un estilo monumental, claro y memorablemente vívido, mientras que el trabajo de Bob Richardson coqueteaba con preocupaciones sociales como el lesbianismo. Otros fotógrafos que trabajaron en el campo de la moda en la década de 1960 incluyeron a William Klein, Art Kane y Diane Arbus, cuyas fotografías para la New York Times Magazine fue una de las imágenes de moda infantil más inquietantes y atípicas jamás publicadas.
Fotografía de moda en la década de 1970
En la década de 1970, la marea volvió a cambiar:Diana Vreeland renunció a su influyente reinado como editora en jefe de Vogue. , y en enero de 1977, Vogue estadounidense reducido el tamaño de recorte real de la publicación. Mientras tanto, la Vogue francesa tomó la delantera creativa en la fotografía de moda en esta década y ofreció a sus dos fotógrafos líderes, Helmut Newton y Guy Bourdin, total autonomía creativa. Deborah Turbeville produjo obras que reflejaban la dislocación psicológica en el mundo moderno, en parte a través de sus poses estilizadas y encorvadas. Fue la primera en utilizar modelos con sobrepeso y "feos", siendo pionera en un estándar de modelo más diverso. Sus fotografías de "casa de baños" publicadas en Vogue (mayo de 1975) causó furor al evocar el aura espeluznante de un campo de concentración o la aterradora vacuidad del estupor drogado.
Fotografía de moda en los 80
Algunas de las fotografías editoriales y publicitarias de moda más importantes de la década de 1980 continuaron siendo realizadas por Richard Avedon. Su brillante campaña publicitaria "The Diors", una historia que se publica semanalmente en las páginas del New York Times Magazine , creó la moda perdurable de la narrativa en la fotografía de moda. La toma de Avedon de Nastassja Kinski, su forma desnuda entrelazada sensualmente con una serpiente gigantesca, se ha convertido en un clásico. Se enfatizó la fuerza y la independencia de las mujeres, desde deportivas y atléticas hasta dominantes y brutales. Numerosos fotógrafos, incluidos Denis Piel, Bruce Weber y Bert Stern, retrataron a mujeres amenazando a hombres con todo, desde carteras hasta cuchillos y cadenas. La moda en sí misma, particularmente en el trabajo de diseñadores como Jean Paul Gaultier, Azzedine Alaïa e Issey Miyake (cuyo trabajo fue fotografiado notablemente por Penn), ayudó a formar el aspecto de la fotografía de la década
Fotografía de moda en la década de 1990
En la última década del siglo, Herb Ritts, Steven Meisel y Bruce Weber continuaron produciendo algunos de los trabajos más interesantes e innovadores, incluida la hilarante versión hip-hop de Weber de una Blancanieves negra y los siete enanitos y su obra seminal con el impacto del grunge en la moda en la década de 1990 (incluido el primer anillo de nariz post-punk en un Vogue difusión de la moda). Dos de los grandes de la fotografía de moda, Irving Penn y Helmut Newton, continuaron dominando el campo. El individualismo romántico de Ellen von Unwerth y el estilo sobrio pero suntuoso de Sheila Metzner también fueron ampliamente evidentes. Los modelos eran cada vez más racialmente diversos, con varios modelos negros, como Iman, Naomi Campbell y Karen Alexander, que alcanzaron el estatus de superestrellas famosas. En cuanto a los primeros años del siglo XXI, hay que esperar el conocimiento de la retrospectiva para evaluar la importancia de la fotografía de moda muy reciente, así como el desarrollo de jóvenes talentos como Christophe Kutner, Glen Luchford, Javier Vallhonrat y Craig McDean. . Lo que parece seguro es que la fotografía de moda, ya sea publicada en Vogue, W, Dazed and Confused , o Nación Sleaze -seguirá reflejando la sociedad y la época en que se hizo.
Ver también Actores y Actrices, Impacto en la Moda; Arte y Moda; Richard Avedón; Cecil Beaton; Norman Hartnell; George Hoyningen-Huene; Helmut Newton.
Bibliografía
Brooke-Adler, Isabel. "El barón von Meyer". Diario de arte (1899):270-272.
Chase, Edna Woolman e Ilka Chase. Siempre a la moda. Garden City, Nueva York:Doubleday and Company, 1954.
Edwards, Owen. "Blow-Out:el declive y la caída del fotógrafo de moda". Nueva York 6, núm. 22 (28 de mayo de 1973):49-56.
Ewing, William A. y Nancy Hall-Duncan. Horst. Nueva York:Centro Internacional de Fotografía, 1984.
Frenzel, H. K. Hoyningen-Huené :Meisterbildenisse. Berlín:Verlag Dietrich Reineer, 1932.
Garner, Philippe y David Alan Mellor. Cecil Beaton, 1920-1970. Nueva York:Stuart, Tabori y Chang, 1995.
Goldberg, Vicki y NanRichardson. Louise Dahl Wolfe. Prólogo de Dorothy Twining Globus. Nueva York:Harry N. Abrams, 2000.
Hall-Duncan, Nancy. La historia de la fotografía de moda. Nueva York:Alpine Press, 1978.
Harrison, Martín. Apariencia:fotografía de moda desde 1945. Nueva York:Rizzoli International, 1991.
Hayden-Guest, Anthony. "El regreso de Guy Bourdin". Nueva York 70, núm. 36 (7 de noviembre de 1994):13-46.
Kramer, Hilton. "El dudoso arte de la fotografía de moda". Tiempos de Nueva York , 28 de diciembre de 1975.
Lehmann, Ulrich. ChicClicks:Creatividad y comercio en la fotografía de moda contemporánea. Boston:Instituto de Arte Contemporáneo en colaboración con Hatje Cantz Publishers, 2002.
Libermann, Alexander. El arte y la técnica de la fotografía en color:un tesoro de fotografías en color de los fotógrafos del personal de Vogue, House and Garden y Glamour. Nueva York:Simon and Schuster, 1951.
Rayo, hombre. Autorretrato:Man Ray. Londres:André Deutsch, 1963.
Sargento, Winthrop. "Perfiles:Richard Avedon". Nueva York 34 (8 de noviembre de 1958):49-50.
Steichen, Eduardo. Una vida en la fotografía. Nueva York:Doubleday and Company, 1963.
Thorton, Gen. "Turbeville le da a la moda un tratamiento de tortura". Tiempos de Nueva York , 24 de enero de 1977.