Las placas de moda son pequeñas imágenes impresas, a menudo coloreadas a mano, de personas que visten la última moda y se representan en contextos sociales mínimamente narrativos convencionales. Florecieron desde finales del siglo XVIII hasta principios del XX y, por lo general, se distribuían con revistas de moda, ya sea como parte integral del contenido editorial o como placas complementarias. El poeta Charles Beaudelaire, en su ensayo El pintor de la vida moderna , describió las placas de moda como una imagen del "yo ideal" y, por lo tanto, un reflejo del sentimiento artístico, histórico, moral y estético de su época. Escribió en 1863, cuando las placas de moda estaban alcanzando su punto máximo en su desarrollo. Aunque el propósito básico de la placa de moda era ilustrar nuevos estilos y vender más ropa, su encanto les da un lugar establecido entre las artes gráficas menores. Lamentablemente para el estudiante, las placas de moda a menudo se eliminan de las revistas en las que aparecieron y se venden como piezas de colección; divorciados de su contexto original, pierden mucho valor como fuentes históricas.
Orígenes
Las personas vestidas de manera atractiva o inusual han sido temas gráficos populares al menos desde el siglo XVI, cuando el Libro de disfraces o Trachtenbuch los llevó a la publicación popular. A mediados del siglo XVII, el artista gráfico Vaclav Hollar había dado a tales ilustraciones un nuevo estatus artístico y Bosse, Callot y de Hooghe comenzaron a agrupar sus modas en escenarios adecuados.
No fue sino hasta el último cuarto del siglo XVII que la serie de estampas populares (normalmente denominadas Les Modes) ) de modas y aparece gente a la moda. Publicados por los vendedores de grabados de París, los Bonnart, con láminas de Saint Aubin, Bérain y Arnoult, promovieron el gusto francés en un amplio mercado internacional. Sin embargo, estas ilustraciones no adquirieron un papel comercial como publicidad hasta que Jean Donneau de Vizé las introdujo en el Mercure Extraordinaire. y el Mercure Galant de 1678 y 1681, anotando tanto proveedores como prendas.
El siglo XVIII
A partir de entonces, la placa de moda cayó en desuso hasta la década de 1750, reapareciendo en los bolsillos, diarios, almanaques y revistas de las damas. Ocasionalmente acreditados a modistas, eran populares como guías de moda. Las pequeñas planchas monocromáticas a menudo eran de artistas y grabadores conocidos.
En el último cuarto del siglo XVIII, el fin de las restricciones de los gremios franceses en 1777 hizo que la ropa de moda estuviera disponible para muchos más consumidores, y así abrió el mercado a una avalancha de material de moda ilustrado. La más conocida, una antología de unas 200 a 400 láminas de moda en color recopiladas de varias fuentes por las editoriales Esnaut y Rapilly entre 1778 y 1787, es la Galerie des Modes et Costumes Francais. , ilustrado sobre todo por Watteau le Jeune y Desrais. La excelente Suite d'Estampes pour servir à l'Histoire des Moeurs et du Costume (1778), dibujado por J. M. Moreau, tenía como objetivo declarado la promoción del gusto francés. Aunque a menudo se la considera la quintaesencia de la moda francesa, es más una guía completa del mundo de la gente a la moda en su contexto material.
El siglo XIX
El auge editorial de finales del siglo XVIII y principios del XIX estimuló el flujo de ilustraciones de moda. A pesar de la Revolución y las guerras napoleónicas, las placas francesas continuaron dominando el mercado, aunque se produjeron ejemplos igualmente excelentes en Inglaterra y Alemania. Le Brun Tossa en el Le Cabinet des Modes , 1785-1789, y La Mésangère en Le Journal des Dames et des Modes , 1797-1839, presentaba láminas de alta calidad de excelentes artistas, al igual que John Bell en la inglesa La Belle Assemblée 1806-1832, pero las ilustraciones de Bell a menudo fueron pirateadas y adaptadas al gusto local.
La Mésangère amplió la gama de sus artistas ilustradores al publicarlos en una serie de grabados de moda y género, como Modes et Manières du Jour de Debucourt. , 1810, y los Incroyables et Merveilleuses de los Vernet y Le Bon Genre , 1818. Son un precedente para la serie de imágenes más íntimas de Gavarni y Deveria, cuyas láminas de moda fueron una característica de los periódicos de las décadas de 1830 y 1840. Una fórmula exitosa, fue seguida por el pochoir ilustradores de moda del siglo XX, sobre todo George Barbier.
La contribución británica de principios del siglo XIX más prestigiosa al arte de la placa de moda fue la Galería de la Moda de Heideloff. , 30 láminas de aguatinta, 1797-1801, publicado por suscripción a una clientela aristocrática. Centrado en la moda de damas nobles anónimas, también incluía las creaciones de modistas de renombre. Con las láminas de aguatinta de lugares populares británicos llenas de hombres, mujeres y niños a la moda, publicadas por el sastre londinense Benjamin Read entre las décadas de 1820 y 1840, la placa de moda se democratizó de manera decisiva. Las impresiones y los patrones a gran escala se vendieron a través de los establecimientos de Read en Londres y Nueva York, donde pronto aparecieron las versiones estadounidenses.
A mediados del siglo XIX, con la expansión de las publicaciones populares y pictóricas, así como del comercio de ropa, proliferó la placa de moda. Para satisfacer la demanda, los establecimientos de grabado, especialmente en Gran Bretaña y Alemania, proporcionaron tipos de imágenes que se agrupaban y modificaban fácilmente para el mercado publicitario y de moda más económico. La figura de la moda masculina desapareció en gran medida de los platos de moda en este momento; por muy arreglado y adornado que estuviera, carecía de la vivacidad de los hombres a la moda como los dibujaban Paul Gavarni y los Vernet.
Las placas de moda de calidad permanecieron disponibles a través de editoriales francesas a gran escala y agentes de publicaciones en el extranjero, como Goubaud y Mariton. Los artistas mejor documentados y más prolíficos a mediados del siglo XIX fueron las hermanas Colin -Heloise Leloir, Anais Toudouze y Laure Noel- quienes, junto con su rival Jules David, fueron hábiles para mostrar el detalle del vestido requerido en escenarios evocadores convencionales. . Placas de moda estadounidenses, a veces modificadas de los originales franceses, como en Godey's Ladies' Book y las publicaciones de Mme Demorest, podrían ser más prácticas, incluso presentando electrodomésticos.
El artista y el fotógrafo
A finales de siglo, la tradición romántica anterior fue desafiada por obras en blanco y negro de vanguardia, más dramáticas que figurativas. También se puso de moda un realismo idealizado, y A. Sandoz, especialmente para House of Worth, produjo agrupaciones tipo Tissot ambientadas en el mundo más amplio de la mujer moderna del siglo XX.
Su material de origen probablemente incluía fotografías de los archivos de la casa, pero aunque las fotografías promocionales se habían utilizado ocasionalmente en publicaciones de moda desde la década de 1860, y las imágenes de prensa de escenas de moda, como las de los hermanos Seeberger, eran populares, la reproducción detallada del color esperada por el mercado de calidad era caro. El retoque fue fácil pero las fotografías de Les Modes , su especialidad, ilustran los problemas. La idealización, el núcleo de la ilustración de moda, era problemática y los artistas de la moda estaban disponibles, adaptables, más rápidos y más baratos.
Ante los avances en la tecnología de la impresión y la fotografía y la fácil disponibilidad de la imagen gráfica convencional, a principios del siglo XX la vanguardia artística se replegó hacia la técnica artesanal del pochoir. (plantilla) impresión y coloreado a mano, produciendo formal, modernista, falso ingenuo platos de moda en ambientes exóticos o románticos que recuerdan a principios del siglo XIX. El género fue iniciado por Paul Iribe para la colección de 1909 de Poiret en Les Robes de Paul Poiret , 1909, y por Georges LePape en Les Choses de Paul Poiret , 1911. Su trabajo y otros del grupo, como Charles Martin y George Barbier, fueron llevados a un público más amplio por el editor Lucien Vogel, quien lanzó la elitista Gazette du Bon Ton. en 1911, el precursor de varias revistas de arte y moda similares. El público en general conoció el estilo y la técnica a través de publicidad de prestigio, como Art Gout Beauté , 1920-1936, publicado por la firma textil Albert Godde Bedin.
En general, las agencias de publicidad estaban muy abiertas a las tendencias modernas. No sin referencia al cine, a principios de la década de 1930 habían revivido la imagen de la moda masculina que ilustraba a hombres realistas activos en escenarios cotidianos llenos de glamour. Esquire adoptó este estilo en 1933 y los anuncios y revistas de moda masculina posteriores lo continuarían hasta bien entrada la década de 1960.
En 1923, la Gazette du Bon Ton y sus artistas habían sido adquiridos por Vogue. Las ilustraciones narrativas de moda no formaban parte de Vogue el formato de y el trabajo del Bon Ton artistas, como el de la establecida Vogue artistas como Helen Dryden y Douglas Sutherland, se limitó a las portadas elegantemente decorativas. A fines de la década de 1920 y 1930, una nueva generación de artistas de la moda, Eric (Carl Erickson), H. Bouet Willaumez, Bouché y Christian Bérard, habían comenzado a transmitir la esencia del estilo, la escena y, sobre todo, el movimiento, de forma vívida e impresionista. placas, aunque en ocasiones se deploraba su falta de detalle.
Es la capacidad de transmitir el alma de la prenda, así como las costuras, el ambiente y la dinámica de la moda, y la esencia de su modernidad, lo que hace que la placa de moda siga siendo un elemento editorial de principios del siglo XXI.
Ver también Ilustradores de moda; Vogue.
Bibliografía
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