Para los historiadores, el nombramiento en 395 E.C. de dos cónsules, o emperadores, uno para el este y otro para las partes occidentales de Europa, marca el final del Imperio Romano. A medida que el imperio occidental cayó gradualmente bajo el control de los bárbaros, floreció el imperio de Oriente (con su capital en Constantinopla). La vestimenta en Bizancio era una amalgama de estilos romano y oriental. Desde Oriente llegaron elaborados ornamentos, motivos decorativos y textiles, especialmente los de seda. El resultado fue el uso extensivo de bordados, apliques, piedras preciosas o diseños tejidos agregados a las túnicas largas o cortas y algunas de las prendas exteriores drapeadas características de la vestimenta romana.
Como el principal centro cultural, estos estilos de la corte bizantina influyeron en todas las cortes de Europa Occidental desde alrededor del 400 al 900 E.C. No fue hasta después del siglo X que comenzó una recuperación económica europea, lo que hizo que las influencias bizantinas fueran algo menos importantes.
Vestimenta en la Alta Edad Media
El período del 400 al 900 E.C. en Europa occidental se conoce como la Edad Oscura. Como su nombre lo indica, la imagen de los desarrollos culturales durante este período es algo oscura. Las imágenes claras del vestido son pocas. Al parecer la vestimenta en Europa combinaba las formas romanas con las de los bárbaros. Los hombres vestían túnicas largas o cortas con una especie de pantalón que estaba envuelto (envuelto cerca de la pierna) con tiras de tela o cuero. Las mujeres vestían una túnica interior y una túnica exterior cubierta por una capa o manto. Las mujeres casadas cubrían su cabello con un velo. Entre la realeza y las clases altas, las influencias bizantinas fueron más evidentes en el uso de telas de seda, fabricadas en Bizancio e importadas, y en bandas ornamentales que adornaban mangas, escotes, dobladillos y otras áreas de las túnicas.
Los elementos básicos de la vestimenta se mantuvieron bastante constantes en los siglos XI y XII de la Edad Media, tanto para hombres como para mujeres. Junto a su cuerpo, un hombre solía llevar braies , una prenda interior similar a los calzoncillos y una camisa. Una mujer vestía una ropa interior holgada llamada camisola. La ropa interior estaba hecha de lino. Las prendas exteriores tanto para hombres como para mujeres consistían en una túnica interior y una túnica exterior. Lo más probable es que estuvieran hechos de lana. Para ocasiones importantes, la realeza puede usar seda. Los hombres de mayor estatus que no necesitaban estar físicamente activos usaban túnicas más largas. La túnica interior a menudo era de un color o tela contrastante y se mostraba en el dobladillo, el escote y el final de las mangas. El arte muestra telas tanto sólidas como estampadas, aunque predominan los colores sólidos.
Cambios en la vestimenta del siglo XII
Para el siglo XII, la evidencia artística y literaria indica que los cambios significativos en la vida política, económica, tecnológica y social habían comenzado a afectar la vestimenta. Después de la caída del gobierno romano de Europa, los gobernantes locales administraron áreas más pequeñas o más grandes. Carlomagno (768-814), uno de los reyes de una tribu germánica llamada los francos, llegó a ejercer un poder significativo sobre gran parte de Europa occidental y fue coronado emperador por el Papa en Roma en el año 800 E.C. Este imperio no sobrevivió mucho tiempo a Carlomagno.
Se desarrolló una sociedad feudal en la que los señores locales otorgaban tierras (feudos) a súbditos que, a su vez, brindaban lealtad, pago y apoyo militar al señor. Estos señores o reyes construyeron castillos donde vivía y trabajaba un gran número de personas. Dichos centros proporcionaron un escenario para la exhibición de estatus, que a menudo se expresaba a través de la vestimenta.
A medida que la economía europea prosperaba y los tribunales se expandían, la iglesia cristiana sirvió como fuerza unificadora con su autoridad central, el papa, en Roma y los obispos locales en ciudades y pueblos importantes. Cuando el Papa llamó a los muchos señores feudales y sus soldados a liberar Tierra Santa de los musulmanes, que habían tomado el control de esa región, miles respondieron. Sus razones para unirse a las Cruzadas iban desde el genuino fervor religioso hasta las oportunidades de saqueo y pillaje. El impacto en la vestimenta fue significativo. Los cruzados, que continuaron su guerra durante casi 200 años, trajeron nuevas telas, motivos de diseño y estilos de ropa que se adaptaron a la vestimenta europea. Al mismo tiempo, la vestimenta civil incorporó elementos de la vestimenta militar.
Mientras que las Cruzadas aumentaron el comercio y la comunicación con el Medio Oriente, los comerciantes europeos también reavivaron el comercio con el Lejano Oriente. Marco Polo (c. 1254-1324) escribió sobre sus aventuras como comerciante en un libro que ayudó a fomentar el comercio con el Lejano Oriente.
En declive durante el período posromano, los centros urbanos volvieron a convertirse en los centros de producción y comercio después del período feudal. Los avances tecnológicos en la producción de textiles, como el batano (acabado) de lana accionado por agua, un telar horizontal en el que el trabajador podía sentarse y usar pedales y una lanzadera, y una rueca que reemplazó al huso manual, sirvieron para aumentar la capacidad de la creciente industria textil. Los artesanos formaron gremios que fijaron estándares y tasas de pago. Las oportunidades comerciales se expandieron y la riqueza se extendió más allá de las cortes y la realeza a esta nueva clase de comerciantes prósperos.
Los inicios de la moda
Aunque los historiadores del vestuario aún debaten los orígenes precisos del cambio de moda en la vestimenta, en general se acepta que el fenómeno de que un gran número de personas aceptara un estilo durante un período de tiempo relativamente corto comenzó durante la Edad Media. Los cambios sociales y económicos antes mencionados establecieron las condiciones necesarias para la moda. Los avances en la fabricación de textiles proporcionaron las materias primas necesarias para aumentar la producción y el consumo de prendas de vestir. Los tribunales proporcionaron un escenario para la exhibición de modas. La estratificación social se estaba volviendo menos rígida, haciendo posible que una clase social imitara a otra. El aumento del comercio y los viajes difundieron información sobre estilos de un área a otra.
La evidencia de la difusión internacional de información sobre el cambio de estilo se puede encontrar en el desarrollo de las artes. Los estilos arquitectónicos cambiaron radicalmente después de alrededor de 1150 cuando los edificios de estilo románico dieron paso en toda Europa a las nuevas formas góticas. Ambos utilizaron tallas como ornamentación y para contar historias bíblicas. Estos, junto con las imágenes representadas en las vidrieras, han servido como una fuente importante de información sobre la vestimenta. La iluminación de los manuscritos también comenzó a mostrar más figuras laicas vestidas con trajes contemporáneos.
Estas estatuas y dibujos del siglo XII muestran alteraciones en el ajuste que claramente se debieron a cambios en el corte de la ropa. En lugar de ser túnicas sueltas, las prendas seguían de cerca las líneas del cuerpo desde el hombro hasta debajo de la cintura, donde se cosía una falda más amplia a la parte superior del corpiño. Estilos de manga variados. Algunas mangas exteriores de la túnica eran más cortas para mostrar más de la manga interior de la túnica. Algunas eran anchas y otras tan alargadas que había que anudarlas para que no se arrastraran por el suelo.
Los escritores franceses de la época llamaron a versiones elaboradas de estos estilos ajustados bliauts. La prenda se describe como hecha de costosas telas de seda. Su apariencia indica que la tela probablemente fue manipulada utilizando insertos al bies (piezas diagonales con mayor elasticidad) para asegurar un ajuste perfecto y que se usaron elaborados pliegues en la falda. Claramente se estaban logrando avances en la confección de ropa.
Cadena , otro término francés, parece referirse a una prenda plisada que probablemente estaba hecha de lino liviano y que las mujeres pueden haber usado sola como una especie de vestido de casa (Goddard 1927). Algunas versiones de estas prendas parecen haberse cerrado con cordones, lo que permitía un ajuste más ajustado.
Vestimenta en la Edad Media:1200-1400
Con la mayor variedad de estilos de vestir, la terminología de las prendas de vestir en estos primeros períodos se vuelve más complicada y confusa. Los nombres de las prendas a menudo provienen directamente del francés. Con frecuencia, los historiadores del vestuario de habla inglesa adoptan estos términos franceses. Esto es especialmente evidente cuando los historiadores del vestuario escriben sobre los estilos medievales del siglo XIII y posteriores. A partir de este momento, la túnica interior se suele llamar cote; la túnica exterior, una surcote , una palabra que ha ganado uso en inglés.
Las capas se mantuvieron igual que en siglos anteriores y la ropa interior no cambió radicalmente, pero el corte y el ajuste de las prendas exteriores comenzaron a alterarse con mayor frecuencia. Además, aparecieron una serie de nuevas prendas para exteriores. Estos incluían la garnacha , "una capa larga con mangas en forma de capa", el herigaut o gardecorps , "una capa con mangas largas y anchas que tiene una abertura debajo del hombro a través de la cual se puede deslizar el brazo", y el chaperón, "una capucha cortada y cosida a un cape" [capa] (Tortora y Eubank 1998).
La influencia de personajes importantes en el estilo es evidente. El reinado (1226-1270) del piadoso rey Luis IX de Francia coincidió con un giro hacia una vestimenta más holgada, más modesta y menos ostentosa.
A mediados del siglo XIV, apareció una gama más amplia de tipos de vestimenta. Al mismo tiempo, la vestimenta de hombres y mujeres comenzó a divergir, siendo la longitud de la falda una gran diferencia. Los hombres de todas las clases ahora usaban faldas cortas. Una prenda de falda corta importante fue el cotehardie. Las características exactas de esta prenda parecen haber variado de un país a otro, y probablemente era una variante de la sobrecosta. Los Cunnington, al escribir sobre el traje inglés, definen el término como una prenda con un corpiño ajustado, abotonado al frente, de talle bajo, con mangas ajustadas que terminaban en el codo al frente y tenía una solapa colgante en la parte posterior, con el corpiño unido a una falda corta (1952).
Debajo de esta prenda, los hombres usaban una prenda llamada punto de vertido, gipon , o doblete. Al comentar los problemas de terminología, Newton observa:"Es dudoso que en algún momento las diferencias exactas entre un aketon, un punto de fluidez, un doblete, una pieza de corte y un jupon estuvieran absolutamente definidas. En Francia, el cotehardie entra en esta categoría. , y en Inglaterra, desde principios de la década de 1360, el paltok" (1980). Probablemente adoptado para uso civil a partir de una prenda militar acolchada, el punto de vertido (más tarde más probable que se llame jubón) unido a la manguera con cordones que tenían puntas de metal afiladas conocidas como "puntas".
Esta combinación se puede usar sola o debajo de una prenda exterior. Las mangueras se usaban con zapatos o botas o tenían suelas de cuero y no requerían zapatos. Los zapatos a menudo tenían puntas muy largas y puntiagudas y se llamaban poulaines o crackows , lo que puede atestiguar un posible origen en Polonia. Los hombres de clase alta usaban el más extremo de estos estilos y, por lo tanto, demostraban que no necesitaban hacer ningún trabajo duro.
La houppelanda fue otra prenda importante que apareció alrededor de 1360. Hecha a la altura del muslo o de la mitad de la pantorrilla o larga, se ajustaba sobre los hombros, luego caía en pliegues tubulares profundos y se ceñía a la cintura. Las mangas pueden ser bastante elaboradas, a veces largas y amplias y recogidas en la muñeca o ensanchándose al final y cayendo al suelo. Los adornos de piel eran comunes.
Aunque las mujeres llevaban houppelandes a fines del siglo XIV, eran más comunes en el siglo XV. Otros estilos para mujeres incluían vestidos ajustados, a veces con sobrecots con mangas o sin mangas. Ciertas prendas eran declaraciones visuales de estatus. Las reinas y princesas francesas vestían sobrecots de cuello bajo, con enormes aberturas en las sisas a través de las cuales se podía ver un vestido ajustado y un panel rígido hasta la cadera con una fila de broches enjoyados en la parte delantera. Se adjuntó una falda amplia al panel.
La imposición de leyes suntuarias (límites impuestos al gasto en artículos de lujo) en la vestimenta indica que las clases de élite temían que las clases bajas intentaran usurpar sus símbolos de estatus. La vestimenta a la moda se había vuelto asequible para más personas y los legisladores intentaron restringir por rango los tipos de piel utilizados, los tipos y cantidades de tela, los tipos de adornos e incluso la longitud de las puntas de los zapatos. Estas leyes no fueron obedecidas y rara vez aplicadas.
Durante el siglo XV, los estilos evolucionaron continuamente. Los jubones de los hombres se hicieron más cortos y las medias más largas, pareciéndose mucho a las medias modernas. Una nueva característica de la construcción, la bragueta -una bolsa de tela cerrada con cordones- dejaba espacio para los genitales. Houppelandes sufrió algunos cambios en el estilo y la construcción, volviéndose más elaborado en el corte y la construcción de las mangas. Una prenda corta de hombros anchos, a veces llamada chaqueta, tenía una falda adjunta que se ensanchaba desde la cintura.
Las mujeres vestían houppelandes y vestidos ajustados. Un estilo aparece con tanta frecuencia en el arte que se ha convertido casi en un estereotipo para los ilustradores modernos que quieren mostrar princesas medievales. Este vestido tenía mangas ajustadas, un escote en V profundo con una pieza de modestia que llenaba la V, una cintura ligeramente alta con un cinturón ancho y una falda larga y entrenada. Otro estilo que se ve en el arte del norte de Europa es un vestido holgado con mangas ajustadas, un escote redondo y una voluminosidad que cae desde los fruncidos en el centro del frente. Algunas fuentes llaman a este vestido un roc.
Accesorios
En los siglos anteriores, las cubiertas medievales para la cabeza eran relativamente simples:velos que cubrían el cabello para las mujeres adultas y capuchas o pequeños gorros como los modernos gorros para bebés, llamados cofias, que se atan debajo de la barbilla para los hombres. En el siglo XV, los hombres y mujeres de clase alta vestían muchos estilos extravagantes. Las capuchas de los hombres se envolvían como turbantes alrededor de la cabeza, a veces con alas anchas y acolchadas. El predominio de los turbantes puede reflejar contactos con Oriente. Los sombreros con copas altas y alas pequeñas se asemejaban a un pan de azúcar y se llamaban sombreros de pan de azúcar. El cabello de las mujeres adultas todavía estaba cubierto, pero las cubiertas eran a menudo de telas de red decorativas, rollos acolchados o estructuras altas, planas o puntiagudas. A menudo se adjuntaban velos ligeros y transparentes.
Otros accesorios incluyeron carteras, cinturones y joyas. Los cinturones a menudo eran una marca de estatus, ya que estaban muy ornamentados y enjoyados.
Vestimenta en el Renacimiento italiano:1400-1600
En Italia alrededor de 1400, los eruditos recurrieron a la literatura y la filosofía de las antiguas Grecia y Roma como fuente de ideas sobre su mundo. Los historiadores que examinaron este período asignaron el nombre de "Renacimiento" (en francés, "renacimiento") a esta época en la que un nuevo enfoque en el humanismo contrastaba con el énfasis medieval en la espiritualidad.
Estas ideas se extendieron desde Italia hasta el norte de Europa, influyendo en académicos y artistas creativos. Los artistas crearon retratos realistas y escenas de la vida cotidiana y mostraron vistas claras del vestido hasta el punto de mostrar dónde se ubicaban las costuras. Retrataron fielmente los exuberantes terciopelos, satenes y brocados que usaban sus modelos.
La realeza usaba las prendas más lujosas, pero las clases acomodadas de comerciantes podían imitar fácilmente los estilos de la corte. Los matrimonios mixtos entre los gobernantes de los países europeos proporcionaron un medio para difundir la moda de un país a otro, ya que las novias y los novios reales se vestían a sí mismos y a sus séquitos con los últimos estilos de su país de origen.
En el siglo XVI, la imprenta recientemente desarrollada producía libros que pretendían mostrar estilos de ropa en diferentes partes del mundo. Dichos libros, que son de cierta utilidad para los historiadores del vestuario, requieren una evaluación cuidadosa porque muchos de los estilos representados son imaginarios y contienen representaciones tanto realistas como inexactas.
Estilos predominantes
Los estilos usados en Italia a principios del siglo XV mostraban algunas similitudes con los del norte de Europa en los siglos XIII al XV. Al mismo tiempo, con la proximidad de Italia al Medio Oriente, las influencias asiáticas son evidentes en las telas con motivos de diseño oriental, en la ropa que muestra algunas similitudes con las túnicas turcas y en los sombreros en forma de turbante. Parte de las diferencias en los estilos se debió a que Italia no adoptó los estilos del norte, como los zapatos extremos en punta y el vestido de mujer con cuello en V y cintura alta. Las siluetas de los vestidos de las mujeres eran más anchas que las del norte. Los escotes eran bajos. Los corpiños estaban unidos a las faldas fruncidas. Muchos vestidos y jubones o chaquetas para hombres estaban hechos de terciopelos, brocados y damascos con dibujos producidos por hábiles tejedores italianos. Se sacaron pequeños abultados de tela de color contrastante a través del codo, la sisa y algunas líneas de costura.
Esta idea decorativa se convirtió en una característica de los estilos masculinos de toda Europa a principios del siglo XVI. Se cortó la tela exterior y se sacaron bocanadas de colores contrastantes a través de las ranuras para hacer decoraciones elaboradas. La silueta de los hombres creció ancha y llena.
Los estilos italianos se mantuvieron algo diferentes a los del norte hasta finales del siglo XVI, cuando España, Francia y Austria llegaron a dominar las ciudades-estado italianas. En el siglo XVI, los eventos internacionales ayudaron a llevar los estilos españoles al centro del escenario de la moda. El viaje de Cristóbal Colón a América en 1492 enriqueció a España, que había financiado el viaje. Cuando Carlos V se convirtió no solo en rey de España, sino también en gobernante de los Países Bajos y de lo que se ha convertido en Alemania, las influencias españolas se extendieron por toda Europa. Los textiles oscuros y ricos se convirtieron en prendas de mujer con siluetas bastante rígidas en forma de reloj de arena. Una estructura rígida, parecida a un aro, sostenía las faldas. Hermosos bordados en blanco y negro adornaban cuellos y ropa interior. Para los últimos años del siglo predominan también en los hombres las líneas conservadoras, más estrechas y rígidas de origen español.
Los retratos y los inventarios de ropa ofrecen una excelente imagen de la vestimenta de los coloridos monarcas de Inglaterra, Enrique VIII e Isabel I, así como de los gobernantes de Francia y España. La evolución de las formas de los hombros de los hombres de anchos a principios de siglo a más estrechos, y de las faldas de las mujeres de formas de cono invertido a formas de barril (llamadas farthingales) es una clara evidencia de la moda como parte integral de la vestimenta. Los volantes blancos estrechos en el cuello se hicieron más anchos, redondos y aún más anchos para convertirse en volantes de encaje enormes, rígidos y almidonados, que en el siglo XVI eventualmente se convirtieron en cuellos anchos y planos.
Vestimenta en el Periodo Barroco y Rococó:1600-1700
Los estilos en las bellas artes desde finales del siglo XVI hasta las primeras décadas del siglo XVIII se denominan barrocos. Los elementos característicos de los estilos barrocos incluyen ornamentación extensa, formas curvas y líneas que fluyen libremente, todo en una escala relativamente grande. La vestimenta de la época reflejaba claramente estas tendencias. Los que podían permitirse el lujo de vestirse a la moda lo hacían. Los tribunales siguieron siendo el escenario más importante en el que exhibir ropa opulenta. Se ha dicho que Luis XIV (rey de Francia de 1643 a 1715) usó la vestimenta a la moda como una herramienta política, manteniendo a sus cortesanos tan ocupados siguiendo la etiqueta y el estilo de la corte que no tenían ni los fondos ni el tiempo para conspirar contra él.
La ropa también desempeñó un papel político en Inglaterra. Los partidarios realistas del rey se opusieron a la facción puritana.
Los puritanos querían reformar la Iglesia de Inglaterra y enfatizar un estilo de vida más simple, más moralista y menos lujoso. La guerra civil resultante condujo a la derrota y ejecución del rey Carlos I, después de lo cual una Commonwealth reemplazó a la monarquía durante unos dieciocho años. Los puritanos vestían con estilos más sombríos y con poca ornamentación. Su apodo de "cabezas redondas" proviene de los peinados cortos que adoptaron. Los retratos, los inventarios y otros registros escritos muestran que, aunque los puritanos enfatizaban la sencillez, su ropa seguía líneas de moda. Entre los puritanos adinerados, se usaban telas caras y de alta calidad.
Los peregrinos que se establecieron en Massachusetts en 1620 eran puritanos. Los estilos de vestir de los colonos americanos de los siglos XVII y XVIII iban a la zaga de los de Europa, pero por lo demás eran iguales. Solo los cazadores y exploradores parecen haber adaptado algunos de los elementos más prácticos de la vestimenta de los nativos americanos, como los mocasines; casi nada hizo su camino de regreso a través del Atlántico. Los nativos americanos fueron representados por pintores de retratos con atuendos que generalmente contenían elementos europeos, mientras que la vestimenta de los primeros colonos estadounidenses es prácticamente indistinguible de la vestimenta en Europa.
Por el contrario, el comercio con el Lejano Oriente tuvo un impacto significativo en la moda. Estas influencias se pueden ver en las telas importadas de India, China y Japón y en algunas prendas específicas. El chaleco adoptado por Carlos II de Inglaterra es un ejemplo de influencias orientales. El prototipo del chaleco puede haber sido abrigos de hombres persas (Kuchta 1990).
Cuando se restauró la monarquía inglesa, Carlos II (hijo del ejecutado Carlos I) regresó del exilio en Francia bajo la protección de Luis XIV, y las modificaciones de la vestimenta puritana fueron eclipsadas por las influencias francesas y la corte volvió a ser el árbitro del estilo. Una prenda digna de mención adoptada por el rey Carlos II fue el chaleco, el precursor de lo que se convirtió en un uniforme virtual para los hombres en el siglo XVIII y más tarde:el traje de tres piezas. Su estilo del siglo XVII consistía en calzones hasta la rodilla, un chaleco largo con botones que llegaba justo debajo de la rodilla y cubría los calzones, y una chaqueta del mismo largo sobre esto.
Los puritanos no fueron el único grupo del siglo XVII que se desvió de los estilos contemporáneos. La naturaleza conservadora de la sociedad española probablemente fue responsable de la preservación de los estilos más antiguos y de una adopción más lenta de los nuevos. El farthingale de falda ancha del siglo XVI desapareció en el resto de Europa a principios del siglo XVII. Las mujeres españolas de clase alta adoptaron este estilo a mediados del siglo XVII. El guarda infante español (literalmente, "guardia infantil") consistía en un farthingale ovalado, muy ancho de lado a lado, que se usaba con un corpiño que se extendía muy por debajo de la cintura para cubrir la parte superior de la falda. Como señaló Reade, "Dado que el esfuerzo era difícil para cualquiera que lo usara, la moda enfatizaba las distinciones sociales" (1951). Los hombres españoles continuaron usando la gorguera y las medias del tronco por más tiempo que los hombres en otras partes de Europa. En el siglo XVIII, los españoles vestían a la moda convencional.
La forma en que las personas adquirían ropa difería según el estatus social. Las familias menos acomodadas compraban ropa usada o producían su propia ropa, principalmente haciendo que las mujeres de la familia hicieran la ropa. Los suficientemente ricos contrataron sastres profesionales. Aunque la mayoría de los sastres profesionales eran hombres, las mujeres hacían la costura fina a mano y ornamental. En 1675, respondiendo a la petición de un grupo de mujeres costureras francesas de que se les permitiera hacer ropa de mujer, Luis XIV permitió la formación de un gremio de mujeres sastres. Con el tiempo, el uso de modistas para hacer ropa de mujer y sastres para hacer trajes de hombre se convirtió en una costumbre.
Algunos economistas consideran que los cambios económicos que tuvieron lugar en Inglaterra a finales del siglo XVII y XVIII fueron una revolución del consumo. El interés de los consumidores por algodones importados menos costosos de la India llevó a las empresas a estimular la demanda de artículos de moda para aumentar sus ganancias. Para lograr esto, necesitaban proporcionar información sobre la moda actual a los clientes potenciales. Se vendían imágenes grabadas, a veces coloreadas a mano, de la última moda. Circulaban muñecas vestidas con los últimos estilos y, a fines del siglo XVIII, también estaban disponibles muñecas de papel que mostraban los estilos actuales. Los estilos recibieron nombres y la terminología de la moda aumentó exponencialmente.
A medida que crecía la demanda de artículos de moda, se necesitaban más fibras, hilos y telas. Tales requisitos ayudaron a impulsar la revolución industrial y su mecanización de la producción. La demanda de algodón por parte de los consumidores condujo a un aumento de los asentamientos en las colonias del Nuevo Mundo y al uso de esclavos para cultivar y cosechar la fibra. A medida que aumentaron los suministros de algodón, la invención de la desmotadora de algodón satisfizo la necesidad de procesar más fibra. Los inventores mejoraron las máquinas para hilar y tejer. La producción en masa de tela hizo que las telas baratas estuvieran disponibles. Como resultado, a fines del siglo XVIII, seguir la moda era posible para todos excepto para los muy pobres y los esclavos.
El nombre "rococó" se ha asignado a los cambios sutiles en el arte y los estilos de vestimenta del período comprendido aproximadamente entre 1720 y 1770. Los estilos rococó se caracterizan por líneas de menor escala pero aún curvilíneas; ornamentación más delicada; y motivos asiáticos, góticos y florales. Después de 1770, las artes y la arquitectura experimentaron un renacimiento clásico. Estas influencias neoclásicas entraron gradualmente en los estilos de ropa y se aceptaron como la moda predominante solo hacia el final del siglo.
El traje de tres piezas se convirtió en el componente predominante de la indumentaria masculina. A lo largo del siglo XVIII, los hombres usaban calzones hasta la rodilla, un chaleco y un abrigo exterior. Cuando el abrigo, el chaleco y los calzones estaban hechos de la misma tela, el atuendo se llamaba "traje ídem". La longitud del chaleco y el corte tanto del chaleco como del abrigo variaron con el tiempo. A principios de siglo, los abrigos y chalecos eran amplios y amplios. Cuando el abrigo estaba abotonado, escondía el chaleco. A mediados de siglo, el abrigo era más delgado. Así fue el chaleco, que también se acortó. El abrigo ya no estaba abotonado, sino que permanecía abierto y el chaleco y los calzones eran visibles. Para la ropa formal, los abrigos y chalecos se bordaban elaboradamente o se fabricaban con telas muy decorativas. Una levita era más holgada y más corta que los abrigos para ocasiones más formales. A principios de siglo, las levitas se usaban en el campo, pero gradualmente también se consideraron adecuadas para un uso más formal.
Las siluetas y los diseños ornamentados tejidos, bordados o estampados de las telas con las que se confeccionaban los vestidos de las mujeres de clase alta en el siglo XVIII reflejaban las formas curvilíneas de las artes barrocas y rococó. La forma de las faldas cambió gradualmente. Después de principios del siglo XVIII, cuando los vestidos de saco amplios y sueltos eran populares, la silueta se modificó y los corpiños se ajustaban bien al frente del cuerpo. Los escotes eran bajos, cuadrados o redondos. En la espalda, algunos vestidos estaban ajustados, mientras que otros tenían pliegues completos en el centro de la espalda que se abrían en una falda suelta y suelta. Los historiadores del vestuario del siglo XIX llamaron a este estilo "espalda de Watteau" en honor a Jean-Antoine Watteau, un artista del siglo XVIII, que frecuentemente pintaba mujeres con este estilo de vestimenta.
Las faldas se sostenían mediante aros de soporte (llamados paniers en Francia) que primero tenían forma de cono, luego de cúpula, luego estrechas de adelante hacia atrás y anchas de lado a lado. En el período de 1740 a 1760, las faldas eran enormemente anchas (hasta 2 ¾ yardas). Las puertas dobles ayudaron a acomodar el paso de las mujeres en estos panier- vestidos apoyados, y las mesas pequeñas a menudo tenían bordes elevados para evitar que una falda que pasaba se llevara los objetos. Después de la década de 1760, paniers fueron reemplazados por cojines o cojines que se usaban en la cadera, y el vuelo de las faldas se movió hacia la espalda.
Se podían ver indicios del renacimiento clásico en las artes en la vestimenta de las niñas pequeñas, que vestían vestidos de muselina blanca esbeltos y de talle alto que recordaban a los quitones dóricos griegos. Las mujeres también comenzaron a usar vestidos de muselina blanca y se alejaron gradualmente de la silueta de falda completa, pero la adopción de estilos inspirados en los vestidos de las mujeres griegas y romanas se produjo solo después de la Revolución Francesa (1789-1795).
La Revolución Francesa y el Estilo Imperio
Se dice que el vestuario refleja el espíritu de la época, o "espíritu de la época", y las modas de finales del siglo XVIII y principios del XIX se citan con frecuencia para ilustrar este punto. Los acontecimientos políticos en Francia se inspiraron en gran medida en los ejemplos de las antiguas repúblicas griega y romana. Como se señaló anteriormente, las influencias clásicas ya eran evidentes en la arquitectura y las bellas artes y las artes decorativas. En la última década del siglo XVIII, también impregnaron la vestimenta de las mujeres.
Debido a que las estatuas de mármol de la antigüedad se habían blanqueado con el tiempo, se creía que los griegos y los romanos vestían prendas blancas. Los estilos de talle alto de los quitones dóricos griegos helénicos sirvieron como modelo para vestidos de muselina blancos delgados con talle alto. Las mujeres de moda usaban sandalias de inspiración clásica. Los hombres se cortan el cabello al "estilo Titus" (llamado así por un emperador romano). Las mujeres se peinaban a la Greque. Aunque los detalles específicos cambiaron año tras año, los vestidos de talle alto fueron la base de una silueta de moda que persistiría durante más de dos décadas.
Vestido en el siglo XIX
Muchas fuerzas culturales contribuyeron a los cambios estilísticos del siglo XIX. Estos incluyeron la revolución industrial, la Revolución Francesa, los cambios en los roles de las mujeres, los cambios en el clima político, la expansión de los Estados Unidos y los movimientos artísticos.
La revolución industrial produjo cambios no solo tecnológicos sino también sociales y económicos que afectaron la vestimenta. La capacidad de producir textiles de forma rápida y menos costosa facilitó la participación en la moda. A medida que la industrialización atrajo a más mujeres a la fuerza laboral, dándoles menos tiempo para confeccionar ropa para sus familias, a finales de siglo, algunas prendas se producían en masa. Los trabajadores rurales que emigraron a las zonas urbanas necesitaban diferentes tipos de ropa.
A medida que Estados Unidos se expandía, asumió gradualmente un papel más importante en el mundo occidental como productor de materias primas y fabricante de bienes. Las innovaciones tecnológicas y los refinamientos realizados en los Estados Unidos, como la patente y la distribución de la primera máquina de coser comercialmente exitosa, el desarrollo del patrón de papel de tamaño y la invención de máquinas que podían cortar múltiples piezas del patrón contribuyeron al crecimiento de la moda masiva. . La inmigración trajo trabajadores calificados para trabajar en la producción masiva de prendas de vestir, y los consumidores inmigrantes ampliaron el mercado de prendas de vestir baratas.
Aunque la moda prêt-à-porter llegó más tarde a Europa que a los Estados Unidos, Europa siguió siendo el centro de innovación en la moda. La sastrería británica estableció el estándar internacional para la moda masculina. Y los comienzos de la alta costura en París a mediados de siglo confirmaron el lugar preeminente de París en la moda femenina.
Charles Worth is considered to have been the father of the haute couture. He first came to public notice around 1860 when the French empress Eugénie began wearing clothes he had designed. His atelier was soon known around the world, and women from Queen Victoria to Parisian courtesans were dressed by Worth. Worth was instrumental in founding an organization of French couturiers, the Chambre Syndicale de la Couture Parisienne, in 1868 that regulated the French high-fashion industry.
Political events on both sides of the Atlantic also influenced dress. For example, the restoration of the French monarchy spawned a host of fashions named after earlier royals and the Italian revolutionary leader Giuseppe Garibaldi inspired women to wear red blouses like those of his soldiers.
The nineteenth-century movement of Europe and America toward more egalitarian societies contributed to an overall revolution in men's dress. The lavishly decorated eighteenth-century suits with knee breeches worn by the nobility were, henceforth, replaced by dark, trousered, three-piece suits. The skill of its tailoring and quality of the fabric in these suits attested to the status of the wearer.
Through its ornamentation and obvious cost, women's clothing had to bear the burden of attesting to the wealth and social standing of the family. Thorsten Veblen (1857-1929) recognized this role for women in his classic study, Theory of the Leisure Classes. He noted that upper-class women's clothing showed that their husbands or fathers could afford to spend lavishly on elaborate clothing (conspicuous consumption) and, furthermore, these women could not do any menial labor when encumbered by such dresses (conspicuous leisure) (Veblen 1936).
At the same time, some women were beginning to question the roles assigned to them in nineteenth-century society. After the accession of Queen Victoria to the throne of England in 1837, the ideal Victorian matron was wife and mother of a large family who ran the household smoothly, supervised the servants, and led a sedate, scandal-free life. The example set by abolitionists working to free the slaves at the time of the American Civil War led some women to state that they, too, were held in a type of bondage. Some women active in the women's suffrage movement believed that women's clothing was a severe handicap to freedom of movement and physical activity. Attempts to reform dress and establish more rational styles for women such as the Bloomer costume were not especially successful at first. The Bloomer costume (named after women's-rights author and lecturer Amelia Bloomer, one of its more visible proponents) consisted of a shorter version of the full-skirted dress of the 1840s worn over a pair of full trousers gathered in to fit tightly at the ankle. The style was based on the dress worn by women in European health sanitariums (Foote 1980). Though abandoned by suffragettes after a few years, photographs show that the style was adopted by some American women settlers for the westward trek and the rigors of pioneer life. Variations of the style also showed up in gymnastics classes for young women, evidence of increased importance given to women's health and fitness.
By the 1890s, women were participating actively in many sports. Bicycling was especially popular and special dress, including bloomer suits called rationals and split skirts, had been adopted.
Throughout history, connections between the fine arts and dress can be found. In the nineteenth century, the pre-Raphaelites and participants in the aesthetic movement made conscious efforts to apply their philosophies to dress. In rejecting contemporary art forms, the pre-Raphaelites drew their inspiration from the art of the Middle Ages and the Renaissance. The artists painted women in idealized costumes from these earlier periods, and women of the group began to wear styles based on the paintings while rejecting the tight corseting and wide skirts of the 1840s and 1850s. In the 1880s and 1890s, the ideas of the small pre-Raphaelite group inspired followers of the more popular aesthetic movement. Women wore no corsets, few or no petticoats, and large leg-of-mutton sleeves. Oscar Wilde, British writer, lectured about aestheticism in a softly-fitted velvet jacket and knee breeches worn with a wide, soft collar and loose necktie. While this costume was worn in protest, the protest was against the aesthetics of the time and not against the inconvenient and unhealthy aspects of dress to which feminists and health reformers objected.
Means of spreading information about current styles expanded. Magazines for women incorporated hand-colored, engraved fashion plates, making it possible for women of all socioeconomic levels to see styles from Paris and keep abreast of current fashion each month. Full-sized paper patterns were bound into some magazines in the late 1800s. The invention of photography in the 1840s provided another way of spreading style information.
Silhouette and Style Changes
The nineteenth century was marked by increasingly rapid style changes. Costume historians recognize this by dividing the century into a number of relatively short fashion periods that cover ten to twenty years. These periods were characterized by an incremental evolution of fashions year-by-year that eventually added up to a distinct new style.
The more somber styles worn by men throughout the 1800s showed only relatively subtle changes. One can see parallels in the cut of men's suits and the silhouette of women's dresses. When women's sleeves were large, men's tended to be enlarged; when women's waists were narrow, tailors made men's jackets with nipped-in waistlines. But it was in women's clothing that the more pronounced changes in style were evident.
The Empire period (1790-1820) is named after Napoleon Bonaparte, the first Emperor of France. For women, the high-waisted, relatively narrow silhouette first seen in the late 1700s continued to be the predominant line throughout this period. In fashion terminology, this high waistline placement is still known as an "empire waist."
The expanded trade with the Far East and the military campaigns of Napoleon in Egypt fueled fashions with Asian links. Imported cashmere shawls were all the rage. Napoleon tried to ban the importation of these shawls in order to protect the French textile industry. Soon European mills were copying them. The output of the mills in the town of Paisley, Scotland, was so prodigious that the shawls became known as paisley shawls.
Year by year, subtle changes appeared in the Empire styles until the high waistline had moved lower, approaching the anatomical waist, the skirt had flared out, and sleeves had grown larger, eventually becoming enormous. By the 1820s, that line was distinctive enough for costume historians to see this as a new period that they named after the art and literary movements of the same time:the Romantic period (1820-1850).
Differences in style between the late Romantic and the later Crinoline period (1850-1870) were subtle. In some costume histories, the period from circa 1838 to 1870 is known as the early Victorian period, Victoria having acceded to the British throne in 1837. The most distinctive aspect of the silhouette of this period was the increasing width of the skirt, the return of the waistline to its natural anatomical position, and a dropped shoulder line. Until the invention of the cage crinoline, or hoopskirt, in the mid-1800s, skirts were held out by heavy layers of starched petticoats that were often reinforced with fabric stiffened with horsehair (crin is French for "horsehair," and lin , "linen," hence the name of the fabric:crinoline). The originator of the nineteenth-century hoopskirt is unknown. The basic structure was a series of horizontal hoops of whalebone or steel of gradually increasing size that were fastened to vertical tapes. Far lighter than the many layers of petticoats, the hoop was an immediate success.
The hoopskirt itself went through numerous transitions, being first round, and then gradually swinging its fullest areas to the back. As the back fullness increased, the front flattened, and by 1870, the bustle had taken over as the preferred shape.
The silhouette of the Bustle period (1870-1890) might be divided into three distinct phases. In the first phase (1869-1877) the fullness at the back of the dress was supported by a bustle. Bustles were structures equipped with some device to hold skirts out in the back. The skirt shape was flat in front with a full, draped fall of fabric and ornamentation down the back. Most sleeves were three-quarters length or longer and were set in at the shoulder instead of being dropped below the shoulder on the arm, as in the Crinoline period. Bodices were tightly fitted. In the second phase (1878-1883), the bustle itself disappeared, garments were fitted closely from neck to hip in what was called a cuirass bodice, below which the skirt remained tight at the front. The decoration of the skirt dropped to below the hips in back. Many skirts had long, ornamental trains. In the third phase (1883-1890), the bustle structure returned with a vengeance, looking like a shelf at the back of the dress. Dresses had high, tightly fitted collars and very close-fitted bodices.
By the final decade of the nineteenth century, the back fullness of the Bustle period had diminished to a few pleats. The silhouette was hourglass-shaped, with enormous leg-of-mutton sleeves balancing a full, cone-shaped skirt that was wide at the bottom. The ubiquitous high-standing collar remained, however.
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