La palabra 'caricatura' proviene del italiano caricare, que significa 'cargar' o 'exagerar'. Esta forma de expresión surgió masivamente en el siglo XVIII en la Europa occidental industrializada. Fue en la segunda mitad del siglo XX cuando la caricatura se centró principalmente en temas de moda y costumbres, alejándose de la política o los retratos. Sus orígenes combinan tradiciones religiosas, artísticas, literarias, teatrales y populares. Desde las representaciones grecorromanas del mundo al revés hasta los grabados medievales de la danse macabre y la 'hoguera de las vanidades', se establecieron tropos sobre la futilidad de la apariencia, el vestido y los cosméticos ante el paso del tiempo.
La tradición del carnaval europeo, la commedia dell'arte, los títeres y la figura de la bruja —con su moda exagerada como acto de delirio espiritual— inspiraron a grandes artistas como Giambattista Tiepolo (1696-1770), Domenico Tiepolo (1727-1804) y Francisco de Goya (1746-1828). Aunque no eran caricaturas de moda propiamente dichas ni se distribuyeron ampliamente, sus temas reaparecieron en los grabados del siglo XVIII.
También surgieron grabados caricaturescos relacionados con representaciones respetuosas de oficios urbanos, vestimentas nacionales y 'planchas de vestuario' del siglo XVII, obra de artistas como Abraham Bosse, J.D. de Saint-Jean en Francia, y Wenceslaus Hollar (1607-1677) en Inglaterra. Jacques Callot (1592-1635) cruzó la línea entre observación y sátira. Las imágenes cobraban nuevo sentido con títulos irónicos o versos moralizantes: la caricatura combina palabra e imagen. A pesar de la censura en Francia, Holanda produjo grabados como El caniche empolvado (inicio siglo XVIII, París, Bibliothèque Nationale), que satiriza los zapatos de tacón alto, la postura afectada y las pelucas de la corte de Luis XIV.
Caricatura del siglo XVIII
Inspirados en estudios fisiognómicos renacentistas de Leonardo da Vinci, Giuseppe Arcimboldo y Albrecht Dürer, y en caricaturas barrocas de Annibale y Agostino Carracci (Cabezas, c. 1590) y Gianlorenzo Bernini, los artistas italianos del siglo XVIII como Pier Leone Ghezzi (1674-1755) y Pietro Longhi (1702-1785) crearon retratos reconocibles con trajes detallados. Ingleses como Joshua Reynolds (1723-1792) y Thomas Patch (1725-1782) pintaron en Roma para el Grand Tour. Estas obras, para círculos aristocráticos, exploraban la dialéctica entre ideal y degradación, mostrando aristócratas con fisonomías grotescas bajo máscaras de civilidad.
Se inspiraron en ciclos morales de William Hogarth como The Harlot's Progress (1731), The Rake's Progress (1733-1734) y Marriage à la Mode (1743), con detalles satíricos de moda que enfatizaban temas políticos, estéticos y morales.
Con nuevas técnicas de reproducción baratas y audiencias alfabetas en la Ilustración, proliferaron grabados satíricos desde 1760 en Francia, Alemania, Holanda e Inglaterra. La libertad de prensa inglesa impulsó miles de caricaturas. La moda indicaba clase, partido político, origen geográfico o nacional: franceses con trajes cortesanos exagerados, españoles con gorgueras, holandeses con calzones.
En la segunda mitad del siglo, editores como Matthew y Mary Darly, John Dawes, William Humphrey y otros se enfocaron en caricaturas sociales sobre moda: rapidez de tendencias, difusión a clases bajas, oficios como peluquería, y disyuntivas entre moda y cuerpo 'lumpen'. Extendieron la sátira a macarrones, dandies, petimetres y tipos teatrales.
Las impresiones aparecían en revistas como The London Museum, The Oxford Magazine y Town and Country Magazine. Técnicas como mezzotinta, aguatinta y punteado permitieron tiradas masivas y detalles texturales. Fondos como calles o vestidores comentaban el consumo.
Caras pero accesibles en imprentas, tabernas o exposiciones, se coleccionaban en folios. Circulaban internacionalmente, influyendo en Europa.
Los estilos ingleses y continentales se entrelazaban: Hogarth estudió a Watteau; Darly se copió en Europa. Francia produjo grabados refinados que satirizaban la alta costura, como en el Monument du Costume de Rétif de la Bretonne (1789).
Significados de los estampados caricaturescos de moda
En Alemania, Daniel Nikolaus Chodowiecki contrastaba artificio cortesano y naturalismo neoclásico en almanaques. Sus ilustraciones para Lavater (1775-1778) atacaban el ancien régime.
En el siglo XIX, se reinterpretaron sentimentalmente. Historiadores como M. Dorothy George las vieron como documentos factuales; otros, como múltiples lecturas. Participaban en diálogos culturales sobre pretensiones.
Algunos nobles como W.H. Bunbury crearon bocetos grabados, satirizando emulaciones de clases bajas, pero también destacando su ingenio.
Caricatura del siglo XIX
Maestros como Thomas Rowlandson, James Gillray, Isaac Cruikshank y Horace Vernet continuaron temas. En París, series como Le Supreme bon ton (c. 1800) y Incroyables et Merveilleuses (1810-1818) distorsionaban figuras de moda para ridiculizar costumbres.
El periodismo del siglo XIX y la caricatura
Con litografía y grabado en acero, proliferaron en revistas como La Caricature y Le Charivari (Charles Philipon). Temas: dandismo, crinolinas, sufragismo, etc. Artistas como Daumier, Gavarni, Doré y Grandville capturaron la vida urbana. En Inglaterra, Punch; en Alemania, Simplizissimus; en EE.UU., Harper's Weekly.
Hasta posguerra, dominó en prensa. Ilustradores como Erté y Sem desdibujaron figurines y caricatura. En TV y cine, tropos continuaron (ej. Absolutamente fabuloso).
Posmodernos como Moschino y Galliano revivieron formas del XVIII. Hoy, persiste en prensa, pero evoluciona con digital.
Ver también: Estudios Históricos de la Moda.
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