El hip-hop es tanto la voz de la juventud alienada y frustrada como una industria cultural multimillonaria empaquetada y comercializada a escala mundial. El hip-hop también es una subcultura multifacética que trasciende muchas de las caracterizaciones populares utilizadas para describir otras culturas juveniles impulsadas por la música. Una de las consideraciones importantes sobre el hip-hop es que, desde su concepción a principios de la década de 1970, podría decirse que el hip-hop se ha vuelto más potente y eficiente para galvanizar la identidad social negra que el movimiento de derechos civiles de la década de 1960.
La evolución del hip-hop se ha desarrollado desde una reflexión consciente de las palabras y la música hasta una expresión obstinada de la vida urbana contemporánea a través de los gestos corporales y la vestimenta. Desde el principio, la moda hip-hop ha seguido una trayectoria de florecimiento implacable. Los desarrollos se han producido principalmente en el sector de la ropa masculina; Las primeras prendas eran funcionales e incluían artículos convencionales:chaquetas de cuero con apliques multicolores, abrigos de piel de oveja, abrigos de coche, pantalones vaqueros de pana o de mezclilla de pierna recta, sudaderas con capucha, pantalones deportivos de calentamiento, cuellos de tortuga simulados y zapatillas de deporte y gorras. Los artículos menos funcionales incluían jeans de diseñador y cinturones con apodos, joyas de oro, gorras Kangol, Pumas con cordones anchos, zapatos de baloncesto y anteojos extragrandes de Cazal.
En la década de 1980 se introdujeron formas de prendas holgadas que disfrazan los contornos del cuerpo. A principios de la década de 2000, el look arquetípico del hip-hop consistía en gorras de béisbol adornadas con insignias de las ligas negras y equipos de fútbol y diseñadores de moda conocidos. Los gorros de lana y los pañuelos se usaban solos o juntos. Chaquetas de plumón de ganso u otras prendas de abrigo para el mal tiempo combinadas con sudaderas con capucha. A fines de la década de 1990, la omnipresente camiseta blanca de gran tamaño, los chalecos de baloncesto y las camisetas de hockey se convirtieron en elementos básicos de la expresión. Jeans de mezclilla holgados o pantalones cargo camuflados de talle bajo, mochilas, botas de estilo militar o de montaña o calzado deportivo se complementaron con tatuajes y peinados rapados, trenzados o con rastas. Inicialmente, la ropa de mujer de hip-hop consistía en looks intrascendentes que reflejaban la ropa de la mujer contemporánea y se acompañaban con artículos como jeans Gloria Vanderbilt, aretes de bambú, bolsos Fendi y Louis Vuitton, cadenas con nombres, tops de abdomen, sujetadores, faldas cortas, jeans ajustados, botas altas, trenzas y tejidos de pelo liso, tatuajes y uñas postizas y joyas de oro de gran tamaño. Además, algunas mujeres usaban prendas que consistían en artículos similares a los que usaban los hombres durante la década de 1990. Las raperas como Lil' Kim y Foxy Brown exhibieron ropa provocativa y gestos sexuales extravagantes que eventualmente se convertirían en la razón de ser de la ropa femenina hip-hop.
Desde dentro del entorno postindustrial, el hiphop ha surgido como una articulación de una "otredad" afirmativa, que a veces es impopular e incomprendida por grupos políticamente conservadores y socialmente moralistas, y especialmente por aquellos que consideran sacrosanta la perspectiva modernista y antipluralista. .
En consecuencia, el hip-hop tiende a ser impopular entre las agencias del establecimiento que desean censurar la expresión y supervisar la conducta y la moral de los jóvenes; sin embargo, el hip-hop es entendido por las agencias de medios masivos y es explotado como un síntoma de la volatilidad entre la atracción del materialismo y el estancamiento de la clase baja urbana. El estado precario de esta condición obliga al hip-hop a convertirse en un proyecto preocupado por el dominio de la supervivencia urbana y, por lo tanto, tiene un atractivo global que se demuestra en el hip-hop de Nueva Zelanda, Japón, África, Francia y Gran Bretaña.
Una fuerza centrífuga, el hip-hop ha contribuido a la conceptualización de una perspectiva alternativa en la sociedad en general; esto incluye el materialismo, las costumbres, la moral, la política de género, el lenguaje, el gesto, la música, la danza, el arte y la moda. La música y la moda hip-hop han alcanzado una posición esencial en la cultura, aunque oscilan en la periferia de la conformidad y la aceptabilidad general, pero debido a la noción del estatus de outsider y a la popularidad de la música rock, el hiphop ha sido admirado y emulado. por adolescentes de la mayoría de las etnias y clases sociales.
Donde comenzó el hip-hop
En ocasiones, el hip-hop se ha convertido en sinónimo de una constelación de productos en el mercado de artículos de lujo, aunque tal situación hubiera sido absurda en la génesis del hip-hop. El hip-hop se formó en la cultura de las fiestas en los sótanos que tenían lugar en el Bronx en la ciudad de Nueva York. Estas fiestas se formalizaron cuando los DJ Kool Herc, Grandmaster Flash y DJ Starski comenzaron a tocar en fiestas improvisadas en parques, calles y centros comunitarios. El DJ jamaiquino Kool Herc, el acreditado fundador de los break-beats de hip-hop, basó su sistema de discoteca Herculords en los sistemas de sonido del reggae jamaicano que se tocaban en Jamaica y Nueva York. La forma de arte del rap surgió como la forma de comunicar la narrativa a la audiencia. Rapear es similar a "brindar", una característica tradicional de la música reggae.
Los brindis y los golpes se pronuncian al estilo de la tradición oral africana. El DJ, o tostador en el Dance-hall, y el MC, o rapero, en el hip-hop son descendientes del griot africano (narrador), cada uno de los cuales ofrece una narración de hechos cotidianos.
Es a partir de videos de rap y música que los seguidores pueden determinar y validar sus suposiciones sobre sus decisiones de estilo de vida, incluidas las expresiones de vestimenta. Los seguidores del hip-hop han creado expresiones de ropa que son comparables a las expresiones de la música hip-hop. La moda hiphop refleja la energía y la resonancia de la experiencia urbana mientras omite signos ilusorios que demuestran la metamorfosis del individuo subalterno en luminaria de la calle.
Influencia en otros estilos
"B-boy" y "Flyboy" fueron designaciones utilizadas para diferenciar a los que se centraban en la música y la danza, y los que se centraban en la moda. Los B-boys y B-girls eran los primeros, y los Flyboys y Flygirls los segundos. Los B-boys derivaron su designación del break-dance. Bailarines de break vestidos con ropa deportiva como zapatillas Puma, pantalones deportivos Adidas, camisetas y chaquetas acolchadas de nailon o cuero. Se especializaron en hacer movimientos poéticos, acrobáticos que desafían la gravedad y explosivos para hacer estallar el cuerpo con el acompañamiento de frases interrumpidas, repetidas y superpuestas de grabaciones de break-beat.
Las subtendencias que siguieron al break dance se convirtieron en las precursoras de la moda influenciada por el rap. Por ejemplo, existen correlaciones directas con la moda asociada con el rap hardcore, el rap gangsta y el rap afrocéntrico/cultural.
Un Home Boy de Nueva York a mediados de la década de 1990
El usuario está vestido con los icónicos clásicos estadounidenses, una camiseta blanca y jeans Levi's 501. O ignora eso o su otra ropa y la forma en que la usa se eligen para compensar su estatus:gorra de golf Kangol, zapatillas Nike y los ubicuos calzoncillos.
Sin embargo, el dispositivo clave de la exhibición se logra al usar calzoncillos con jeans de manera que el borde elástico de los calzoncillos asoma sobre la cintura de los jeans haciendo que el elástico de la marca del diseñador sea visible. Como consecuencia, los jeans se reestructuran, hasta el punto de que la forma de los pantalones comienza a afectar el paso del usuario. Se acumulan paquetes de tela alrededor de la parte inferior de las piernas, lo que provoca movimiento voluminoso y restrictivo. Esta forma precaria de usar jeans crea la base para la expresión.
La expresión B-boy ha cruzado con éxito la división subcultural. Los skaters, que son predominantemente blancos, también adoptaron gran parte de la expresión B-boy y la han adaptado a sus estilos de vida. Los Daisy Agers fueron ejemplificados por los raperos De La Soul, quienes se basaron en las características afrocéntricas demostradas por varios movimientos de conciencia negra desde la década de 1960. Neo-Panthers, Afrocentrics, Sportifs y Gangstas representan desarrollos que disfrutaron de muchos seguidores. De hecho, estas caracterizaciones contienen prendas de vestir que demuestran complicidad en prácticamente todas las expresiones de la diáspora desde que el hip-hop se definió a principios de la década de 1980. Muchos de los objetos de moda utilizados por el B-boy de la década de 1980 eran afirmaciones anteriores a la década de 1980. Gran parte de la expresión gangsta se tomó prestada del estilo proxeneta de la década de 1970, mientras que el aspecto del B-boy arquetípico de mediados de la década de 1980 fusionó una estética de Pantera Negra con un estilo de ropa deportiva con el sabor de Jamaican Rude Bwoys. . Los B-boys y los Flyboys han tenido éxito como resultado del intercambio intercultural entre "los imperativos culturales de la historia y la identidad afroamericana y caribeña" (Rose p. 21).
A mediados de la década de 1980 y principios de la de 1990, la moda hip-hop cobró importancia a medida que la música hip-hop tuvo éxito en todo el mundo. Como consecuencia, los B-boys ya no son negros ni de clase trabajadora.
La génesis del hip-hop de moda había sido hábilmente articulada por los B-boys de la década de 1970, quienes crearon un camino para las agrupaciones de hip-hop posteriores (Daisy Agers, New Jacks, Sportifs, Nationalist [neo-Panthers]), quienes agregaron su propias expresiones únicas a la moda. Como diseñadores no oficiales, estos grupos violaron y corrompieron muchas de las proposiciones existentes sobre la moda y proporcionaron la plantilla que debería haber adoptado una nueva generación de usuarios de la moda hip-hop. Al igual que la música hip-hop, la moda hip-hop edita, muestra, repite, une y crea nuevas modas, a veces a partir de tonterías ya veces a partir de sentimientos profundos que definen las experiencias auténticas de los usuarios de hip-hop. En muchos casos, se descubre que los B-boys tienen entusiasmo por las principales marcas de moda. Una característica de las expresiones de la moda hip-hop es la predilección por las marcas de diseñadores estadounidenses, italianos e ingleses como Tommy Hilfiger, Ralph Lauren, Gucci y Burberry. Para el B-boy, el consumo de ropa es parte de un rito de consumo y exhibición que reafirma la fórmula "Soy =lo que tengo y lo que consumo" (Fromm p. 36).
La estilización exagerada del B-boy se articula en ropa humorística, exagerada y extravagante que a veces es similar a un personaje de dibujos animados. Esta estética visual reemplaza y disipa cualquier idea de que la alienación vuelve invisibles a los individuos. La versión "estandarizada" de la moda hip-hop se ha convertido en una parodia. Durante la década de 1980, las marcas de moda se instalaron en la cultura hip-hop. La adopción de prendas falsificadas de Gucci y Fendi y Nike y Timberlands de buena fe representó intentos de crear moda que tuviera resonancia más allá del contexto de la comunidad hip-hop.
Durante la década de 1980, la tienda de Harlem Dapper Dan se hizo famosa por la idea de exaltar marcas de moda llamativas "exóticas" como Fendi y Gucci. Gran parte del atractivo para los consumidores residía en la destilación de los logotipos de estas marcas de alta costura en sus ropa y a las calles de Harlem. Por lo general, la tela impresa con los logotipos de estas marcas se convertiría en prendas que no se encontrarían en las colecciones de buena fe de Fendi o Gucci. En última instancia, Dapper Dan fue un proyecto posmoderno que incluía el desarrollo de la moda hip-hop.
Diseñadores y Productores
En parte, la moda hip-hop surgió por defecto. Los diseñadores de ropa deportiva activa y calzado deportivo no se enfocaron en las calles, los clubes nocturnos o los videos musicales como la ubicación principal de sus productos. En particular, la ropa deportiva de marca como Adidas, Reebok, Nike y British Knights había sido apropiada por el hip-hop y se convirtió en precursora de las marcas dedicadas al hip-hop de ropa deportiva de moda de Troop, Cross Colors, Mecca, Walker Wear y Karl Kani. Sin embargo, las empresas de indumentaria nunca han superado la preeminencia de la marca de calzado deportivo. Las zapatillas Nike y Adidas son indicadores de la distancia del hip-hop con respecto a la corriente principal; para muchos usuarios, la zapatilla y el Nike Swoosh eran objetos potentes en el rito de iniciación urbano. Las Nike Air Force 1 y las Air Jordan se volvieron icónicas y fetichistas. El logotipo de Nike se ha usado como joyería, cortado en el cabello y tatuado en la piel.
El hip-hop ha creado sus propias tendencias y patrones de consumo, con redes culturales que mutan a un ritmo intimidante. Su colusión con la moda dominante está bien establecida. Muchos de los raps de las principales estrellas del hip-hop exaltan la importancia de vestir Gucci, Prada, Versace, Tommy, Earl, Burberry, Timberland, Coogi y Coach. Estos raps suelen ser jactancias arrogantes que aprueban la superioridad, como la solicitud de Lil' Kim en su canción "Drugs" del álbum Hardcore. , "Llámenos las chicas Gabbana, somos peligrosas, las perras pagan una tarifa solo para pasar el rato con nosotros" o "Sí, de hecho, fluye en primera clase y la tuya es entrenadora como la bolsa, la Prada mamá".
Los motivos, las telas, el color y el dramatismo de la vestimenta cambiaron drásticamente durante 1998, cuando los líderes del hip-hop comenzaron a reconocer al cuarteto de la moda principal de Versace, Prada, Dolce &Gabbana y Gucci como lo último en expresión de la moda. El enfoque materialista establecido por los gangstas, los músicos y las celebridades del hip-hop poblaron la idea de la "fabulosidad del gueto" (la yuxtaposición de objetos caros "fabulosamente" colocados en el contexto del gueto empobrecido) como reemplazo del hip-hop. lúpulo de moda que no se basó en el patrocinio de marcas de moda dominantes glamorosas y costosas.
Estas nuevas inflexiones provocaron otra revisión de la moda hip-hop. Aunque la ropa deportiva de alto rendimiento de marca fue inicialmente popular en la cultura del hip-hop, su desplazamiento se produjo cuando Lil' Kim, entre otras estrellas del hip-hop, utilizó etiquetas de diseñadores importantes para crear una imagen de privilegio y estatus. Tanto los fanáticos del hip-hop como las compañías de moda entendieron esta idea. Los raps de Lil' Kim y otros raperos han inyectado estrategias de venta al por menor, publicidad y promoción de las empresas de moda con una nueva fuente temática y un mercado previamente inexplotado. La moda hip-hop representa un discurso subversivo; las empresas de moda reconocen este punto de vista como favorable si quieren incidir en valores y actitudes urbanas y por tanto cool. Sin embargo, algunas empresas fracasan en esta ambición y todas han sufrido "mitos" sobre los consumidores que son "incompatibles" con la marca de las empresas.
En sus intentos por lograr una relevancia posmoderna, empresas de moda como Asprey, Puma, Versace e Iceberg han utilizado la recomendación formal ofrecida en estrategias de marketing cruzado. Esto puede variar desde una celebridad que aparece en una campaña publicitaria o simplemente sentada en la primera fila del desfile de un diseñador.
Para contrarrestar esto, varios magnates de la música hip-hop (Russell Simmons, P. Diddy y Master P) han sido dueños de empresas de indumentaria. Sus empresas producen colecciones de moda creativas que se sincronizan con la producción musical de sus empresas discográficas. Estas empresas se dividen en aquellas que siguen una interpretación precisa de la moda hip-hop y aquellas empresas que buscan cruzar y producir diseños que tengan un atractivo amplio de moda masiva en lugar de un atractivo hip-hop especializado.
Al intentar modelar la dirección y el contenido de la moda hip-hop, los magnates del hip-hop han ignorado las experiencias de vida, los medios económicos y las tendencias autocreativas de los seguidores del hip-hop en favor de una ideología personal.
Cómo el Hip-Hop cruza fronteras
A principios de la década de 1990, un grupo de seguidores del hip-hop de Brooklyn comenzó a reutilizar las etiquetas de las prendas de Ralph Lauren y a coserlas en prendas que no estaban fabricadas por Ralph Lauren. La acción de la subcultura Lo-lifer fue desafiar la oposición comercialmente agresiva de Ralph Lauren y contrarrestar el "antagonismo" de la marca de moda. La deconstrucción de la imagen de marca bien mantenida de la compañía de moda crea una inversión en la jerarquía. Cuando la etiqueta Polo de Ralph Lauren se pinta a mano en una pared, o incluso en una toalla, como hicieron los Lo-lifers, se plantea una pregunta sobre la marca comercial y la representación mitológica del logotipo de la moda.
Una característica de la moda hip-hop son los múltiples temas que se filtran a través de las aspiraciones de los usuarios y diseñadores por igual. El diseñador de la corriente principal estadounidense Tommy Hilfiger ha captado con éxito una comprensión de la cultura hip-hop y ha producido artículos de moda muy específicos, que encajan en el mercado sin disculparse.
A mediados de la década de 1990, los nuevos cortes de jeans de Hilfiger recibieron títulos como "Uptown", que se refieren a las ubicaciones geográficas de Harlem y el Bronx, dos distritos de Nueva York con grandes poblaciones afroamericanas. El corte Uptown de los jeans es ostensiblemente el mismo que los jeans extra holgados y de tiro bajo fabricados por cualquier otro diseñador de hip-hop o fabricante convencional popular que se dirija al mercado del hip-hop; sin embargo, el grado de entusiasmo por el hip-hop de Hilfiger hizo que la marca fuera muy popular.
La moda hip-hop se considera un delineador de "cool". De hecho, los aspectos del hip-hop se han convertido en la caracterización de la disonancia; es por eso que los príncipes reales británicos William y Harry estaban felices de adoptar gestos de homeboy mientras usaban gorras de béisbol. Probablemente nunca haya conocido a un B-boy en vivo, las posturas de gestos geniales sin duda se obtienen de los videos musicales.
En uno de los estudios más informativos de la expresión cool, Majors y Billson sugieren que cool agrega valor a la privación de derechos del individuo. Su práctica se construye a través de la actitud e implica un estatus para el usuario a través de una importancia atribuida a los objetos de moda. El fenómeno de lo cool surge como el ingrediente convincente de la vida hip-hop; se efectúa por los apegos del yo. Genial, o para usar otras evocaciones, "volar" o, en Gran Bretaña, "diseñarlo" es un procedimiento creativo de sigilo que sirve como una insignia de pertenencia, aunque permite a los usuarios realizar pequeños ajustes en la configuración de su ropa.
Ver también Tommy Hilfiger; ralph lauren; Música y Moda.
Bibliografía
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