La relación entre la moda y la música popular es de abundante y mutua creatividad. Las influencias recíprocas han dado como resultado algunas de las visualizaciones de ropa más dinámicas jamás creadas en la cultura popular. Algunos existen como creaciones memorables para el escenario y el video musical; otras se convierten en tendencias de moda duraderas, que se instalan en la cultura para convertirse en notorias, referenciales y perdurables.
Existen tres colaboraciones. Una es cuando los diseñadores de moda y las celebridades del entretenimiento diseñan la moda para que se ajuste a un proyecto declarado. Otra colaboración ocurre cuando las subculturas juveniles se articulan a través de la moda. La tercera es cuando la industria de la moda interpreta un tema musicalizado o una tendencia.
Las celebridades musicales y las colaboraciones de diseñadores han alterado el curso de la moda, aunque hay pocos buenos ejemplos de esta relación. Los efectos de estas uniones han sido muy significativos. Los resultados incluyen el vestido con corsé de remolino de Jean Paul Gaultier usado por Madonna en su gira Blonde Ambition de 1990, que posteriormente contribuyó a la tendencia de usar sujetadores y menos ropa. Las colaboraciones de Grace Jones con el director de arte Jean-Paul Goude, quien en la década de 1980 convirtió el cuerpo de Grace Jones en un objeto de moda, hicieron videos musicales innovadores y anuncios publicitarios para varios productos. Sin embargo, el corte de pelo de Grace Jones se convirtió en una tendencia importante; se hizo conocido como un "top alto" cuando lo copiaron los jóvenes negros.
Tanto Madonna como Grace Jones actuaron como musas de los diseñadores creativos; sus representaciones musicales se convirtieron en puntos de referencia para interpretaciones generalizadas. Las imágenes producidas por estas colaboraciones fueron decisivas, especialmente en la forma en que alteraron las concepciones de la belleza y los gestos tradicionales.
El resultado de muchas asociaciones del artista y el diseñador o estilista suele ser una confirmación de la moda subcultural juvenil existente. Más bien se crean nuevas perspectivas, nuevos métodos y nuevas resonancias de la moda cuando la moda y la música se vinculan con la expresión subcultural.
Considere las asociaciones de Kurt Cobain y Grunge, Marilyn Manson y Goth, y Avril Lavigne y Skater. Las interpretaciones de diseñadores de la expresión de artistas y subculturas incluyen el facsímil de Marilyn Mason de Jean Paul Gaultier (verano de 2003) y las continuas referencias del diseñador belga Raf Simons a las subculturas dirigidas por la música. Las colecciones de Simons han incluido camisetas estampadas con imágenes del desaparecido guitarrista de Manic Street Preachers Richey Edwards y un esfuerzo conjunto con Peter Saville, el diseñador gráfico de Factory Records.
Este artículo destaca de manera no cronológica las principales colaboraciones desde el inicio de la música popular. No es una revisión exhaustiva; Las culturas y colaboraciones góticas, skinheads, soul del norte, funk, música independiente, rock, grunge, soul, dance y drum &bass no se consideran. Sin embargo, demuestra cómo se arraigan la música innovadora y la expresión de la moda.
La influencia de la música en la moda
Bobby-Soxers
Con el nacimiento del rock'n'roll en 1951, la cultura juvenil y la cultura popular cobraron impulso. En la década de 1940, las adolescentes estadounidenses conocidas como bobby-soxers se hicieron famosas no solo por su moda, sino también por su fanática adulación de cantantes masculinos como Frank Sinatra. Bobby-soxers usaban calcetines tobilleros, cintas para el cabello, jeans enrollados de mezclilla, faldas de caniche de fieltro con un caniche francés bordado y aplicado, y blusas con pequeños volantes en los bordes, suéteres descuidados y zapatos de montar. Bobby-soxers eran raros en las culturas de la moda musical porque los hombres generalmente lideraban la mayoría de las innovaciones.
Modos
La idea de la identificación intra e intergrupal también fue importante para los Mods, que se formaron en Gran Bretaña alrededor de 1965 y tuvieron una influencia resonante en la moda y la moda masculina. Se sentaron en un telón de fondo urbano de bares de espresso, scooters Vespa, el mini automóvil y un fondo de imagen de Perry Como y el look francés, que fue influenciado por la película Shoot the Pianist. (1960). Llevaban parkas del ejército estadounidense sobre camisas estadounidenses importadas y sus trajes estaban hechos a la medida. Un pequeño número de mods modificó trajes originales o adaptó sus propios trajes. Gran parte del atractivo de Mod era que diseñadores de moda como Mary Quant y Pierre Cardin tenían el término aplicado a su trabajo. Los símbolos gráficos como objetivos, Union Jacks, franjas de colores horizontales e imágenes de ciclismo resultaron atractivos para los Mods, los diseñadores de moda y los artistas. Aunque los Mods eran una fusión de grupos de adolescentes que tenían diferentes intereses, eran sofisticados en el sonido que habían rechazado la languidez y el skiffle tosco y la música tradicional por el equilibrio del jazz moderno y, más tarde, el rhythm and blues, el blues y el bluebeat. Los mods eran estilistas fanáticos que entendieron que los nodos de cambio ya existían y si los conectaban se diferenciarían del resto de la sociedad.
En la década de 1980, la banda de nueva ola The Jam ilustró la divergencia entre el Mod antiguo y el nuevo. La música se volvió vulgar y agresiva, mientras que el look se basó en las prendas de vestir estereotipadas que ya habían sido diluidas por otras bandas Mod.
Durante las décadas de 1980 y 1990, el legado de Mod continuó en bandas como Style Council, Blur y Oasis, aunque la tendencia de la moda había comenzado a asumir referencias interculturales. Las estancias en Ibiza y Marruecos, las referencias al soul del norte y el Regency Mod de la década de 1970 proporcionaron la vitalidad visual para bandas como James Taylor Quartet, Brand New Heavies, D'Influence y Galliano, cuya ropa se fusionó con la "etnicidad" de Mod. El nuevo disfraz, Acid Jazz, se convirtió en sinónimo de la moda masculina urbana moderna que incluía prendas formales y deportivas.
Retrofuturismo y Neoclasicismo
La banda alemana Kraftwerk había suscrito la disposición creativa de varias bandas británicas y los estilos musicales de Electro, Techno y Rave. Kraftwerk fue influenciado por Stockhausen y el futurismo italiano. Su música encapsulaba un minimalismo electrónico metronómico. Sus latidos austeros, casi uniformes y medidos definieron un paisaje sonoro musical que desafió la concepción de la música de la misma manera que lo hicieron las ideas de John Cage sobre la música, el ruido y el silencio.
A principios de la década de 1980, Gianni Versace, Thierry Mugler y Claude Montana utilizaron motivos que incluían asimetría, bicoloración marcada y uniformidad monocromática. Tiendas de moda como PX y Plaza en Londres fueron buenos ejemplos de cómo la moda se sincroniza con la música.
Los uniformes ajustados del diseñador Anthony Price usados por Kraftwerk eran inseparables de la ropa masculina de Price. La tienda de Price en Londres, Plaza, fue uno de los conceptos minoristas más innovadores de su época. Price claramente hizo referencia a la tendencia retro-futurista. Desde el exterior, la señalización de neón se yuxtapuso a un escaparate de color blanco puro y una vista de cintura para arriba de dos maniquíes de tienda con forma de androides parados detrás del escaparate.
Estas eran referencias al retrofuturismo y al neoclasicismo que eran los espíritus de la época de ese período. Las portadas de álbumes de New Order, Joy Division y Roxy Music hacen referencia al neoclasicismo. Artistas como Gary Numan, Ultravox y David Bowie fueron influenciados por Kraftwerk y se diseñaron a sí mismos para celebrar el Futurismo, el Suprematismo y el Modernismo Alemán y Ruso.
La moda usada por estos artistas variaba desde los uniformes asimétricos todo en uno de Numan hasta la incursión de Bowie a mediados de la década de 1970 con pantalones negros lisos monocromáticos y camisa blanca, sus camisas campesinas sueltas, pantalones metidos en botas de montar y un cinturón de cuero excepcionalmente ancho. Midge Ure de Ultra-vox capturó una caracterización heroica y kitsch romántica que era adecuada para incluirla en una pintura campesina tirolesa de Franz von Defregger.
Delirar
La música tecno fue heredera de la música de Kratfwerk. Techno se convirtió en la piedra angular de British Rave a fines de la década de 1980. Rave, una simbiosis suelta de Chicago House, Electro y Balearic Beat, comenzó como Acid House en Manchester durante 1987, lo que se conoció como el segundo "verano del amor". La etiqueta se aplicó a un período frenético que marcó el comienzo de la droga Ecstasy (MDMA), el ascendiente de la banda Stone Roses, y el Hacienda Club de Manchester, que se había convertido en el centro de la cultura de club británica.
Conocidos por los "acontecimientos" improvisados en las estaciones de servicio de las autopistas y en las tierras de cultivo, los raves se hicieron famosos por la popularización de la droga éxtasis, que se convirtió en el acompañamiento esencial del movimiento.
Los hipnóticos pitidos digitalizados y los ganchos muestreados de Techno atrajeron a diversos seguidores de todo el espectro social y racial. A pesar de un electorado indefinible, Rave comenzó a definirse como una expresión de moda.
Las niñas vestían pantalones ajustados de cuero o de mezclilla, chalecos, camisetas ajustadas y jubones de manga larga. Los accesorios incluían grandes anillos de plata que a menudo se usaban en el pulgar y el índice, montones de pulseras de plata y pulseras de la amistad y pulseras de cuero como las que usaban los hippies. El cabello largo y lacio se convirtió en algo de rigor.
Los niños eran menos definibles, aunque muchos usaban moda de diseñadores líderes como C. P Company, Stone Island, Paul Smith, John Richmond, Nick Coleman y Armand Basi. Su ropa consistía en polos, camisetas, jeans, anoraks y reflejaba el estado de ánimo actual de la moda masculina. Ciertamente, la marca de diseñador "clubwear" alcanzó la mayoría de edad entre 1987 y 1993. Sin embargo, estas etiquetas solían ser ropa barata y mal hecha, aunque eran perfectas para los seguidores de Rave que estaban acostumbrados a usar ropa diferente para "fiesta" cada fin de semana. . Personalidades rave, como Keith de la banda Prodigy, comunicaron una sensibilidad visual que continuó la segunda fase (mediados de la década de 1990 en adelante) de Rave en Europa, Estados Unidos y Gran Bretaña. La segunda fase de Rave mejoró las coloraciones intensas, los disfraces tontos y los gráficos por computadora que habían presentado la primera fase de Rave. Eventos como la Love Parade anual de Berlín, que comenzó en 1992, y la colección W
De vez en cuando, la moda se inspira directamente en la cultura musical. La música rastafari ha proporcionado a la cultura popular una estética que se puede aplicar de varias formas. La moda ha sido un intérprete constante de la iconografía de la moda rastafari. Empresas de moda como Complice, Jean Paul Gaultier y Rifat Ozbek han utilizado la iconografía rastafari, como el simbolismo rojo, dorado y verde del rastafarianismo, el cabello rastafari y los uniformes caqui, en lo que la prensa de moda había llamado "etno-chic internacional". Este término también podría aplicarse a las colecciones de Owen Gaster y John Galliano, quienes en 2000 se apropiaron de Jamaican Dancehall y America Fly Girls como temas para sus respectivas colecciones.
Los anuncios del verano de 2000 de la marca de moda italiana "Versace Jeans Couture" muestran modelos blancos con múltiples cadenas pesadas de oro en el cuello, un modelo masculino con un sombrero de media, un diente de oro y jeans de cintura baja. Aquí, la aspereza de la moda hip-hop se reconstituye, desinfecta y se vuelve accesible para la corriente principal.
En su presentación de la pasarela de primavera/verano de 2003 para Dior, John Galliano hizo referencia a personalidades del Nuevo Romántico como Leigh Bowery y Trojan.
Los Nuevos Románticos eran la subcultura juvenil obsesionada con la moda más extravagante que Londres había presenciado jamás. Las subculturas juveniles tienden a estar motivadas por el conflicto de clases y desarrollan modas para contrarrestar su posición; los nuevos románticos carecían de esas ansiedades. Eran "Posers" que no aceptaban la limitada propensión al glamour que ofrecía el movimiento punk. Los Nuevos Románticos estaban liderados por Rusty Egan y Steve Strange, que a finales de los 70 dirigían Billy's -A Club for Heroes-, y más tarde Blitz, un bar de vinos en el Covent Garden de Londres, donde bailaban al ritmo de Roxy Music, David Bowie y Kraftwerk. . Desarrollaron una serie de looks basados en temas románticos; de hecho, casi cualquier tema era posible si el usuario hacía los cambios apropiados para crear una apariencia extravagante y extraña. Los temas de vestuario incluyeron el constructivismo ruso, Incroyables, Bonny Prince Charlie, Pirates, el cabaret de Berlín de la década de 1930 y las estrellas de Hollywood, los puritanos y los payasos, todos maquillados con mucha inventiva. Esta expresión de moda alternativa se volvió tangible e importante una vez que diseñadores como Vivienne Westwood, Stephan Linard, Helen Robinson, Richard Torry, Melissa Kaplan, Bell and Khan y Rachel Auburn se dieron cuenta. No había referencias para este tipo de vestimenta, ni revistas excepto i-D, The Face. y Blitz , que contó con una revisión de lo que la gente usaba en los clubes hace tres meses. La subcultura se convirtió en el catalizador de varias bandas nuevas. En 1982 surgieron dos nuevas bandas, claramente menos raras que muchos New Romantics acérrimos. Spandau Ballet y Duran Duran se cruzaron comercialmente y fueron aceptados por las estaciones de radio, los periódicos y la televisión como los rostros y sonidos agradables del nuevo romanticismo.
Cuando la banda británica Wham usó las camisetas "Choose Life" de Katherine Hamnett, un mensaje de autopreservación en medio de la crisis del SIDA de la década de 1980, se estaba promulgando un subtexto de protesta. Este llamado a "rebelarse con estilo" era análogo al desconcierto de Hepcat sobre la normalidad de la sociedad (Cosgrove 1984, pp. 77-91).
Los jóvenes afroamericanos fueron los primeros en usar zoot suits y en adoptar una serie de gestos corporales apropiados para usar un traje, lo que requirió cinco yardas de tela para hacer. La idea de la rebelión hacia el estilo en la cultura juvenil está bien fundada (Melly 1970). Los intérpretes del zoot suit fueron los primeros fanáticos del rock and roll de América, el Caribe y Europa. La forma drapeada del zoot suit se transfirió en Gran Bretaña a través de fotografías de estrellas estadounidenses del rock and roll en álbumes y otra publicidad, y a través de los inmigrantes de las Indias Occidentales que llegaron a Tilbury Docks en Londres en 1948. Los inmigrantes de las Indias Occidentales que llegaron a Gran Bretaña eran principalmente jóvenes que fueron influenciados por las películas, la música y la moda estadounidenses. Vestían ropas que eran más vívidas en forma y color que cualquier cosa a la que los británicos estuvieran acostumbrados. La moda y la música se fusionaron en un intento de desvincular a sus participantes de la procesión de la tradición. Un pequeño número de sastres de Savile Row reintrodujo el estilo eduardiano en 1948; se hizo popular entre los jóvenes londinenses de clase alta llamados Guardees. Posteriormente, los grupos de jóvenes de la clase trabajadora, los Cosh Boys y, a fines de la década de 1950, los Teddy Boys, comenzaron a mostrar su descontento con las normas de la sociedad al adoptar tendencias narcisistas de dandis. Copiaron el estilo de los Guardees vistiendo chaquetas largas de corte drapeado con cuello y puños de terciopelo, calcetines tobilleros brillantes, corbatas finas y pantalones pitillo similares a los que se usaban en la época de Eduardo VII (1901-1910). ). La ropa de las primeras estrellas del rock estadounidense como Bill Haley, Gene Vincent, Little Richard y Elvis Presley se basó en la estética de la moda predominante de la América negra, la silueta drapeada, y la exageró. También del jugador del barco del río Mississippi, los estilos de los trabajadores de cuello azul que incluían los omnipresentes jeans azules de mezclilla con los puños enrollados de la cultura juvenil, las chaquetas de motorista de cuero, las botas de motorista, una cadena y una camiseta blanca eran evidentes. Los detractores calificaron el estatus de los músicos de rock'n'roll de estar fuera de la corriente principal y etiquetaron las adopciones de moda, la música y los movimientos de baile como alineados con "el diablo".
El punk rock fue una de las colaboraciones más influyentes y estimulantes de la moda y la música. Sirvió como un catalizador fundamental para la forma en que las personas en la década de 2000 piensan, crean y comentan sobre moda, música y diseño.
El punk comenzó en Londres durante la década de 1970 y casi simultáneamente se convirtió en un género musical, una expresión de moda y una forma de vida. Aunque bandas como Slits, Dammed, Clash y Banshees fueron importantes, Sex Pistols se convirtió en la banda preeminente del género. Las modas y la actitud del punk se exhibieron en la tienda de Kings Road de Malcom Maclaren llamada Sex, y más tarde, Seditionaries. Maclaren y su socia, Vivienne Westwood, vendían ropa que se desviaba de la idea aceptada de lo que debería ser la moda. El espectáculo del punk se logró mediante el uso de imágenes directas fuera de contexto, creando así una distorsión. En consecuencia, las modas punk sorprendieron e intimidaron. Los artículos de moda icónicos del punk incluían la réplica de Maclaren y Westwood de la máscara de violador de Cambridge, camisetas estampadas con cursis chicas pin-up de naipes, vaqueros homosexuales, camisetas con una esvástica nazi y camisetas con el rostro de la Reina de Inglaterra corrompido con un imperdible atravesándole la nariz. Todas las bandas de punk usaban ropa similar con imágenes que eran tabú; esto incluía ropa rasgada, ropa fetichista e incluso ropa con manchas de sangre simuladas.
El punk fue una reacción contra la cultura hippie, que se aceptó como el pináculo de la rebelión juvenil.
Los hippies fueron un movimiento liderado por el folk y el rock de la década de 1960 que propagó una perspectiva alternativa de vida. Según un comentarista hippie, "La moda hippie se originó en contenedores de ropa usada, tiendas del ejército/marina y ropa hecha a mano con desechos. En otras palabras, cualquier cosa que fuera barata y disponible..." (New York Sun:25, julio de 2002). La ropa también se originó en la ruta Hippie, que pasó por Turquía, Irán, Afganistán y Pakistán hasta India y Nepal.
Durante las décadas de 1980 y 2000, las principales culturas juveniles del diseño de moda y la música rock adoptaron el estilo hippie. En la década de 1980, el diseñador italiano Romeo Gigli usó ricos bordados indios y delicados estampados y trabajos manuales para crear temas suaves y románticos que se ven en la vestimenta hippie. Marni, otra empresa de diseño italiana, ha utilizado el tema hippie exclusivamente en una marca que es elitista y cara y, por lo tanto, es la antítesis de la ideología hippie.
La música ofrece moda más que un tema o un movimiento. Ocasionalmente, un artista posee conciencia de la moda que influye directamente en la moda.
En 2001, el diseñador belga Raf Simons rindió homenaje a la banda galesa The Manic Street Preachers. La colección de ropa masculina presenta camisas y suéteres de gran tamaño adornados con lemas marxistas. Los manics no fueron el primer grupo musical en usar iconografía política (los Sex Pistols usaron a Lenin), pero la adoración de Simons por los Manics y la política de rebelión fue una novedad en la alta costura. (Portero, 2001)
Como catalizadores del cambio de la moda (1973-1980), David Bowie y Bryan Ferry experimentaron con nuevos temas, creencias y valores. El alter ego de Bowie, Ziggy Stardust, vestía elaborados trajes diseñados por el diseñador de vanguardia Kansai Yamamoto. Las prendas no fueron hechas exclusivamente para Bowie; simplemente formaban parte de la colección prêt-à-porter de Yamamoto. Los fans de Bowie reinterpretaron el look de Ziggy vistiendo ropa de calle de la época. El conjunto consistía en pantalones de cintura alta, zapatos de plataforma y camisas y camisetas sin mangas de colores brillantes, que ocasionalmente se compraban en tiendas de mujeres por sus colores y su ajuste ceñido. Los diversos disfraces de Ferry incluyeron un look rockero cósmico de una chaqueta bomber de piel de leopardo metalizada y pantalones de seda negros; el Rocker de los años 50 con pantalón negro, camiseta azul oscuro y cadena en el cuello; y el lagarto del salón vestido con un esmoquin blanco, pajarita negra, camisa blanca y fajín rojo. También se vistió como un soldado del ejército, con camisa y pantalones caqui; un soldado de asalto neoclásico; un gaucho, completo con pantalón de gaucho, chaleco y camisa de mangas anchas y sombrero negro; y un cantante de soul de los años 60, vestido con un traje de tres botones en varios colores y materiales, incluyendo cuero y piel de tiburón. En muchos sentidos, la música disco de la década de 1970 fue la excepción de un movimiento liderado por la música que afectó de manera integral a la moda. Existiendo al mismo tiempo que el glam rock, la música disco se había extendido por gran parte de Occidente. En Estados Unidos y Gran Bretaña había logrado la aliteración de un espectáculo que se contorsionaba con fluidez a través de la diferencia de edad y del escenario a la discoteca a la calle.
La moda y la música crean temas similares de manera competente y, a menudo, de forma independiente, pero la interacción dinámica entre ellos motiva reacciones que de otro modo no habrían ocurrido. El fenómeno brumoso de la moda subcultural mantiene la ropa y la música popular en un significado totémico, creando fantásticos objetos de moda y momentos a partir de estas formas inquietas. La moda formalizada está ligada por una enfática inquietud y terror. Su praxis e impulso natural es realizar la actividad de objetivar la música popular, las subculturas juveniles y otras formas "sexy". Esta es la razón por la cual los desarrollos que se alejan de las costumbres de la moda ortodoxas o formalizadas solo pueden realizarse cuando la agenda ya no se centra en el comercio de la moda, sino que se preocupa por la irreverencia y la irracionalidad de crear imágenes de moda.
Ver también Estilo hippie; Moda de Londres; Punk.
Conrado, Pedro. "Tommy, podemos oírte". Independiente el domingo . (30 de marzo de 1997).
Cosgrove, Stuart. "Zoot-Suit y Style Warfare". Diario del taller de historia . 18 (otoño de 1984):77-91.
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Nuevos Románticos
La influencia de la moda en la música
punk
Hippies
Catalizadores de la moda
Moda Rebelde
Bibliografía