Individual, extremadamente personal y ajeno a criterios estéticos unificadores, el arte vestible es difícil de definir por naturaleza. Se le podría llamar obra de arte para el cuerpo, pero esto ignora su compleja relación con el mundo del arte, la moda y la artesanía. Distinto de la moda convencional, mantiene vínculos con ella. Adopta formas variadas (escultóricas o planas) y técnicas como tejido, estampado en cuero, trenzado, teñido y costura, unidas por un espíritu de fantasía, artesanía y visión personal.
El movimiento del arte vestible surgió a fines de los 1960, floreció en los 1970 y persiste en los 2000. No es casual que cristalizara en la tumultuosa década de 1960: los cambios sociales, políticos y culturales fomentaron la expresión personal y la exploración del adorno corporal.
En los 1970, los 'wearables' eran obras poco convencionales que celebraban la intimidad creativa mediante un lenguaje artístico único. Esta personalidad narrativa lo distingue de prendas artísticas del siglo XIX. Aunque no lineal, hereda el clima expresivo de movimientos vanguardistas previos.
Arte vestible en el siglo XIX
La Hermandad Prerrafaelita, fundada en 1848 por John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, fue pionera en vestimenta alternativa. Ante la industrialización y producción masiva, se inspiraron en arte medieval y renacentista, vistiendo a esposas, amantes y modelos con ropa histórica que contrastaba con los corsés victorianos y faldas acampanadas.
William Morris, figura clave del Movimiento Arts and Crafts británico, compartía este rechazo a modas restrictivas. Revitalizó arte y vestimenta con simplicidad histórica, admirando la Edad Media. Su esposa Jane vestía sin corsés ni aros, favoreciendo formas naturales.
Paralelamente, el Movimiento de Reforma de la Vestimenta priorizaba salud y comodidad. En los 1870, el Movimiento Estético defendió por gusto líneas naturales con telas suaves, tonos tierra (verdes musgo, marrones, amarillos, azules pavo) rechazando tintes sintéticos.
La vestimenta estética variaba: fruncidos renacentistas, drapeados clásicos o influencias japonesas como kimonos y caftanes. James McNeill Whistler diseñó el vestido japonés para Symphony in Flesh Color and Pink (1873).
Arthur Lazenby Liberty popularizó importaciones orientales y creó vestidos de cintura alta reminiscentes de la Regencia. En 1884, contrató a Edwin Godwin para un departamento de vestimenta artística.
En los 1880, ganó aceptación: la bata de tarde sin corsé fue un hito. The Healthy and Artistic Dress Union (1890) impulsó reformas con figuras como Walter Crane. Influyó en EE.UU. vía Gustav Stickley en The Craftsman.
Artistas Art Nouveau y modernistas como Henry van de Velde, Frank Lloyd Wright, Gustav Klimt y Josef Hoffmann extendieron el arte al vestuario.
Principios del siglo XX
A inicios del XX, el arte vestible era signo de progresismo. Los vestidos Delphos de Mario Fortuny y Madrazo (1909), de plisado seda griega, simbolizaban elegancia atemporal.
Vanguardistas como Sonia Delaunay, Natalia Goncharova, Giacomo Balla, Varvara Stepanova y Alexander Rodchenko exploraron moda como arte cinético. Picasso y Cocteau también diseñaron prendas.
Greenwich Village (1910-1920) fue epicentro bohemio con túnicas, chaquetas sueltas y batik.
Los 1930 revivieron tejido manual, acelerado por exiliados Bauhaus como Anni Albers. Sus alumnos innovaron en fibras, allanando el arte vestible de 1960-1970.
Finales del siglo XX
En los 1960, surgió con performance, body art y rechazo a alta costura, favoreciendo hippie y streetwear.
Centros en Nueva York y San Francisco fusionaron estética y función, elevando crafts a bellas artes con técnicas textiles innovadoras (Nina Vivian Huryn, Janet Lipkin).
Kimonos de Katherine Westphal y Tim Harding destacaron por superficies collage.
Validación: exposición "Art to Wear" (1983, American Craft Museum); galería de Julie Schafler Dale (1973).
1980: más refinado y gráfico (Jean Williams Caciedo, Ana Lisa Hedstrom).
1990-2000: práctico y couture-inspirado (Erman), acercándose a Galliano y McQueen.
Ver también: Arte y Moda; Alta Costura.
Bibliografía
Aimone, Katherine Duncan. El libro de arte portátil de Fiberarts. Asheville: Lark Books, 2002.
Museo de Artesanía Americana. Arte para vestir. Nueva York: American Craft Museum, 1983.
Cunningham, Patricia. "Vestimenta Saludable, Artística y Correcta". En Con gracia y favor: Modas victorianas y eduardianas en Estados Unidos. Cincinnati: Museo de Arte de Cincinnati, 1993, págs. 14-25.
Dale, Julie Schafler. Arte para vestir. Nueva York: Abbeville Press, 1986.
Wollen, Peter. "Abordando el siglo". En Abordando el siglo: 100 años de arte y moda. Londres: Haywood Gallery, 1998, págs. 6-77.