Antes del surgimiento de la burguesía, los renacimientos históricos en la vestimenta estaban reservados a las clases aristocráticas, principalmente empleados como vestuario para mascaradas y pompas, retratos o funciones profesionales (uniforme cortesano y legal), y siempre como una marca distintiva de atemporalidad y estatus, tanto de poder como de belleza.
Desde los siglos XVI al XVIII, las modas en la elección del enfoque histórico se basaron principalmente en las divisiones entre la ciudad (el poderoso urbano) y el campo (el idílico arcádico), y recibieron ideas de moralidad e inmoralidad. El significado y la encarnación de este último acoplamiento cambiaron con mayor frecuencia:la moralidad en algunas etapas implícita en las mitologías anglosajonas de estatus y estructura. Los revestimientos del cuerpo representados con mayor frecuencia por las modas fueron crinolinas, aros, polisones y corsetería para las mujeres, y armaduras y parte superior del cuerpo acolchada para los hombres. A su vez, sin embargo, la vestimenta más holgada de la mitología grecorromana y la reverencia por el físico ideal y la belleza de la naturaleza que representaban, también fueron presentados como arquetipos de la moralidad en diferentes períodos, aunque por lo general fueron criticados con bastante rapidez por su inmoralidad al revelar abiertamente el cuerpo femenino. Al igual que con todos los avivamientos que siguieron, estas tendencias rara vez se basaron en la precisión histórica, confiando principalmente en una imaginación nostálgica y material de segunda mano.
gótico
El vestido gótico original del siglo XV para mujer combinaba los ideales del siglo XIII de idoneidad para el propósito y una sensibilidad eclesiástica (los tocados en particular tenían una referencia directa a la toca) con la belleza de la línea y las telas suntuosas (terciopelos y brocados). El renacimiento gótico ya estaba teniendo lugar a mediados del siglo XVII (los puritanos se inspiraron en los matices religiosos del gótico frente a la decadencia realista), y se popularizó nuevamente a mediados del siglo XVIII como un movimiento decorativo y arquitectónico (Gothick). , sus principales defensores incluyen a Batty Langley (1696-1751) y Horace Walpole, cuyo proyecto Strawberry Hill (1750-1770) llegó a personificar el período. El renacimiento del siglo XVIII fue un movimiento impulsado por el romance y que se opuso a la rigidez y las reglas percibidas del estilo clásico; lo medieval parecía más natural, fantástico y extraño en comparación con los mundos de Grecia o Roma. En el vestir, su expresión era principalmente neomedieval, de tono sombrío y concentrada en patrones planos bordados en los paneles de las mangas y el corpiño. Fue notoriamente inexacto y ampliamente ridiculizado hasta la década de 1830 cuando A.W. N. Pugin (1812-1852) propuso un retorno certero y fiel al estilo gótico como baluarte nacionalista, moral y espiritual frente al avance de la industrialización. El trabajo de Pugin influyó mucho en la estética victoriana y, más tarde, en el estampado plano de William Morris (1834-1896) y el movimiento Arts and Crafts. A fines del siglo XX, el estilo gótico volvió nuevamente como una adición al punk, inspirándose en la postura de oposición del movimiento punk, pero oscureciéndola, y tergiversando el significado espiritual del estilo gótico para encarnar religiones más antiguas y místicas (como la Wicca, el paganismo y el budismo). ). Pero, al igual que con los renacimientos góticos anteriores, los góticos de la década de 1980 abrazaron el romanticismo del movimiento, combinando el PVC y la goma del punk con los terciopelos y brocados de sus predecesores de los siglos XVIII y XIX.
Neoclasicismo
El gusto por lo que se conoció como estilo neoclásico tiene sus raíces en la década de 1750, surgiendo en oposición al exotismo y la opulencia del rococó (promovido por el lanzamiento de la Sociedad Dilettanti en 1734 y la Sociedad de las Artes en 1754). Gran parte de la literatura (Rousseau) y la pintura (Gainsborough, Reynolds y Hogarth) en las décadas previas al movimiento neoclásico se dirigía a proponer un clasicismo romántico como tendencia moral que vinculaba la pureza de la naturaleza con la pureza del espíritu. Era posible que tanto el neoclásico como el gótico existieran prácticamente en el mismo espacio, debido tanto a la apertura de la sociedad a la moda como a las creencias compartidas de cada movimiento.
El movimiento alcanzó prominencia en la década de 1780 y está más estrechamente asociado con Thomas Hope (1769-1831), cuyo Trajes de los antiguos (1809) y Diseños de trajes modernos (1812) fueron fundamentales para popularizar los estilos de vestimenta grecorromana más holgados y desestructurados. Los vestidos estaban hechos principalmente de muselina con cinturas que se elevaban hasta el busto, que todavía estaba firmemente sujeto por tirantes y resaltado por una faja y un pañuelo anudado. El efecto era ingenuo e infantil, mejor expresado en las populares ilustraciones de Kate Greenaway de la década de 1880. De acuerdo con la estatuaria antigua y las nociones del físico ideal para los hombres, los pantalones ceñidos y las chaquetas cortadas revelaron más del cuerpo.
Hope también era un exotista y organizaba fiestas de inspiración turca en su casa, similares a las del diseñador parisino Paul Poiret (1879-1944) a principios del siglo XX. Poiret y otros dos diseñadores de la época, Madeleine Vionnet (1876-1975) y Mariano Fortuny (1871-1949), fueron los principales protagonistas del renacimiento del neoclásico en las décadas de 1920 y 1930 (también conocido como vogue regency).
El Movimiento Estético
Al igual que con el neoclasicismo, el movimiento estético estudió y celebró la belleza. El movimiento se afianzó en el Reino Unido en la década de 1870. Sus defensores en las artes decorativas (William Morris), la literatura (Walter Pater, Charles Baudelaire, Oscar Wilde) y las bellas artes (James McNeill Whistler, Aubrey Beardsley y los pintores prerrafaelitas) propusieron elegancia en todo. La naturaleza (flora, fauna y el atlético cuerpo humano) fue elogiada en todo su esplendor como el epítome de la belleza, una manifestación de Dios en la Tierra. Lo que separaba al gótico de la estética era la creencia de este último en el "arte por el arte", ya que los cambios en la comprensión de la naturaleza de la moralidad dieron lugar a una intensa disputa entre los filisteos (el arte como medio para fines sociales y morales) y la estética (el arte como belleza y verdad) que se desató durante las décadas de 1860 y 1870.
Los defensores de la gracia, el atletismo y la actividad de las mujeres tuvieron que esperar a que la Rational Dress Society, fundada en 1881, presentara su caso. La Unión de Vestimenta Artística y Saludable lo siguió rápidamente en 1889, declarando que la moderación victoriana era antihigiénica y espiritualmente perjudicial. La ropa de mujer se volvió más holgada, de textura más opulenta y fuertemente influenciada por el estilo medieval, el folclore, los cuentos de hadas y la leyenda artúrica. La figura de la mujer representada en la pintura solía dormir, un estado de inocencia y pureza que también implicaba el despertar o la liberación (vestuario y sexual) de la feminidad que seguiría en la era de decadencia de fin de siècle. El legado del movimiento estético se ve más claramente en los círculos artísticos del Bloomsbury Set a principios del siglo XX y el movimiento hippie de la década de 1960.
Neoeduardianismo
El Teddy boy (derivado del apodo de Eduardo VII) surgió de una sensibilidad fomentada en la Gran Bretaña posterior a la Segunda Guerra Mundial de que las dificultades compartidas de la guerra y el racionamiento darían como resultado una sociedad más igualitaria (Polhemus, p. 34). Las expectativas de la clase obrera joven se manifestaron en la reelaboración de un estilo neoeduardiano del que habían sido pioneros los sastres de Savile Row de Londres para sus clientes de clase alta:se usaban chaquetas de botonadura sencilla, largas y ajustadas con cuellos de terciopelo con tubo de desagüe. pantalones y chalecos brocados. Los jóvenes del East End combinaron ropa similar con una corbata de vaquero y los sentimientos extravagantes de la costa este estadounidense, estilo Zoot negro. La adopción de estos significantes específicos sirvió para aliar a las clases trabajadoras británicas simultáneamente con el Sueño Americano y los forasteros que lo desafiaron. Al hacerlo, los Ted presentaron un desafío para la sociedad británica establecida, particularmente al subvertir los códigos de vestimenta aristocráticos, y este estilo subcultural sirvió como modelo para todo el estilo callejero que siguió en la segunda mitad del siglo XX.
Retro
La moda del estilo retro a menudo había dejado a la industria expuesta a acusaciones de nostalgia moribunda. Tanto a pie de calle -los Teds por los eduardianos, los mods por los italianos, el glam-rock por la estética, los casuals por los mods, los góticos por los punks- como a nivel de alto diseño, la velocidad y la influencia del revivalism ha aumentado gradualmente en los últimos cuarenta años, hasta el punto de que incluso el futurismo es retro. Pero los críticos ignoran la importancia del contexto sociopolítico y cultural en el proceso de selección. Esto es particularmente evidente en el alto diseño. Walter Benjamin, en Tesis sobre filosofía de la historia , habla del "salto del tigre" creativo hacia el pasado, la selección agresiva y específica de la referencia histórica para servir al comentario contemporáneo. El revivalismo histórico se usa con mayor frecuencia como una herramienta para crear un entorno omnipresente y reconocible para la moda que responde de manera muy pertinente a los tiempos en los que se crea. Podría decirse que no hay nada nuevo que crear, solo formas creativas de reinterpretar el pasado. Como señala el diseñador John Galliano, "¿Qué es lo moderno?... ¿Gucci? ¿O Prada? Esa es solo su interpretación de lo moderno, pero sigue siendo una versión histórica... Creo que reinterpretar las cosas con las influencias de hoy, la tecnología de telas de hoy es de lo que se trata" ( Frankel, pág. 176).
Ver también vestido estético; godos; Estilos retro.
Bibliografía
Burman Baines, Bárbara. Revivalismo de la moda:desde la época isabelina hasta la actualidad . Londres:B. T. Batsford, Ltd., 1981.
Frankel, Susana. Visionarios:entrevistas con diseñadores de moda . Londres:Publicaciones V y A, 2001.
Lambourne, Lionel. El Movimiento Estético . Londres:Phaidon Press Ltd., 1996.
Polhemus, Ted. Moda y antimoda:una antropología de la indumentaria y el adorno . Londres:Thames and Hudson, Inc., 1978.
Recurso de Internet
Wálter Benjamín. "Tesis sobre el concepto de historia". Anteriormente disponible en http://www.tasc.ac.uk/depart/media/staff/ls/WBenjamim/CONCEPT2.html .